ARQUILECTURAS

2010-12-31T09:57:00.009-03:00

Conversaciones con Peter Eisenman

2010-11-01T12:30:00.001-03:00

Arquitecto y Educador, nació en 1932 en Newark, New Jersey, EE.UU. Recibió un grado de Bachillerato en Arquitectura de la Universidad de Cornell en 1955, una Maestría de Arquitectura de la Universidad de Columbia, postgrados M.A. y Ph.D. de la Universidad de Cambridge, y Doctor Onoris Causa por la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Illinois, Chicago.
En 1967, Eisenman fundó el Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York. Eisenman ha sido autor de varios libros, incluyendo ‘Casa X’ [Rizzoli]’, ‘fin diou t hous', [the architectural association], Flechas en movimiento, eros y otros errores’ [the architectural association], ‘Casa de cartas’ [Oxford University Press], y co-autor con Jacques Derrida en ‘Chora I Works’ [Monacheli Press].
Ha publicado numerosos ensayos y artículos sobre sus teorías Arquitectónicas en revistas internacionales y periódicos.
Fue Director fundador del Instituto y Editor de ‘Oposiciones’, y ha realizado, tal vez más que cualquier otro Arquitecto en ejercicio hoy, una carrera de crear y emplear un dialecto de oposiciones en la Arquitectura, a través de referencias a teorías estratégicas, enajenación social y formas Arquitectónicas existentes. El trabajo teórico de Eisenman proviene mucho de Friedrich Nietzsche, Noam Chomsky y Jacques Derrida.

Peter Eisenman fue el líder de un grupo informal de Arquitectos de Nueva York, conocidos como ‘Los Cinco de Nueva York’ [con John Hejduk, Michael Graves, Charles Gwathmey, and Richard Meier], quienes hicieron un esfuerzo para introducir una teoría de Arquitectura y Arte tan rigurosa como él de la vanguardia Europea.
Ha mantenido posiciones docentes en Cambridge, Princeton, Harvard, Yale y las Universidades Estatales de Ohio. Actualmente es profesor distinguido de Arquitectura de Irwin S. Chanin en el Cooper Union de Nueva York y es Profesor Visitante en la Universidad de Princeton.
En 1980, después de muchos años de docencia, escritura y producción de respetados trabajos teóricos, abrió su estudio profesional en Nueva York, Eisenman Architects, para concentrarse exclusivamente en edificaciones, asistido por asociados principales Richard Rosson y Tracy Aronoff. Eisenman ha diseñado una amplia gama de proyectos, incluyendo proyectos habitacionales de gran escala y esquemas de diseño urbano, equipamientos innovadores para Instituciones Educacionales, y una serie de ingeniosas casas privadas.
El Centro Wexner para Artes Visuales y la Biblioteca de Bellas Artes de la Universidad de Ohio de Eisenman, completados en 1989, recibieron en 1993 el Premio de Honor Nacional del Instituto Americano de Arquitectos. Su proyecto de Vivienda Social de Checkpoint Charlie en Berlín fue honrado por el Gobierno Alemán, quienes pusieron el proyecto en una Estampilla conmemorativa para el aniversario 750 de la Ciudad de Berlín.
Hoy, Eisenman se encuentra diseñando un Museo para el Instituto de Artes y Ciencias de Staten Island en la terminal del Transbordador de St. George de la ciudad de Nueva York, un Complejo de usos mixtos en Mesa, Arizona, el cual incluye el Estadio de Fútbol Americano para los Cardinals de Arizona, un Centro de Convenciones, dos Hoteles, y el Centro Memorial e Interpretativo del Holocausto en Berlín. Es un proyecto de enorme complejidad en términos de contenido, su misión, sus detalles de diseño y las políticas que lo acompañan, después de todo es un reconocimiento oficial de culpa.
El trabajo de Eisenman ha sido recopilado en dos Monografías: ‘Eisenman Architects’ [Images press] y ‘Peter Eisenman’ [Electa]
Entrevista realizada por designboom.com en Milan, 8 de Abril, 2002.

Centro wexner center para las artes.
Ohio state university, EE.UU. 1983-1989¿Cuál es el mejor momento del día?
Pienso que es cuando despierto.
Me levanto muy temprano por la mañana y tengo mucha energía, tengo la oportunidad de leer tranquilamente, estar conmigo mismo y pensar, así que para mí es el mejor tiempo.
¿Qué tipo de música escucha en ese momento?
Escucho varias cosas.
Aquí en el hotel estamos escuchando los primeros discos de Caruso, hoy hablábamos de escuchar a Wagner, voy a la Opera así que vemos Rossini, Bellini, Mozart, pero mi favorito es Wagner, El Anillo y todos los demás.

Centro Emory university para las artes.
Atlanta, Georgia, EE.UU. 1991¿Qué libros tiene en la mesa al lado de su cama?
Tengo una variedad de libros en la mesilla, estoy leyendo ficción en este momento.
Leo escritores de misterios. En Princeton estoy leyendo Jacques Derrida, leo muchas cosas.
¿De dónde obtiene noticias?
Obtengo noticias de Internet [CNN, el ‘New York Times’]. También obtengo noticias del ‘Daily News’ y de los chismes de mis amigos.
¿Ud. Se fija en las vestimentas de las mujeres? ¿Tiene alguna preferencia?
Me fijo en las mujeres [risas].
Hoy fui de compras con mi mujer, fuimos a Ferragamo, Gucci y Armani, así que supongo que me fijo. No voy a fiestas donde las personas se visten especialmente, voy a fiestas donde las personas se visten como personas, no caminamos por ahí en ropas de marca, entonces podría decir que no me fijo en las mujeres por la forma en que se visten.

Una instalación 'vacia'.
Courtyard palazzo reale, Piazza Duomo, Milán, Italia 2002¿Qué tipo de ropas evita usar?
Cualquier cosa de moda.
¿Tiene mascotas?
Tenemos 2 gatos, tenemos 2 hijos y las mascotas les pertenecen, siempre han tenido gatos. Puedo tolerar mascotas.
¿Dónde trabaja en sus diseños y proyectos?
Tengo mi estudio, mi oficina es como un Atelier, y tengo una mesa allí, no tengo una oficina aparte, me siento en el medio del estudio, tenemos como 20 a 30 personas, y puedo escuchar lo que pasa, no tengo un teléfono privado. Allí hago todo mi trabajo, mis dibujos, mis pensamientos. Trabajo con mi gente, hago maquetas, digo que quiero esto, hagamos esto, miro sus ordenadores, pienso cosas y escribo cosas. Estoy con los trabajadores todo el tiempo.
¿Para quién le gustaría diseñar algo?
Supongo que me gustaría hacer un Rascacielos, tenemos un proyecto en Berlín para una torre de 200m. En Estados Unidos estamos haciendo un Estadio y esto es algo que quiero construir porque tengo interés en el Fútbol [tradicional], voy a muchos partidos. Pero me gustaría construir un edificio alto.
Cuando era un niño, ¿qué quería ser? ¿Siempre quiso ser Arquitecto?
No, nunca. No sabía lo que era un Arquitecto, ni siquiera sabía que existía una cosa llamada Arquitecto hasta que fui a la Universidad. Nunca quise ser nada porque nunca pensé nada ni supe nada, fui un nerd, era nada, nulo, niente.

El estadio Cardinal, en esta imagen se muestra el campo retractable, el cual puede moverse dentro y fuera del estadio.
Fayetteville, Arizona, EE.UU. En construcción.¿Discute su trabajo con Arquitectos y Diseñadores?
Sí, todo el tiempo, como Leon Krier, almorzamos hoy, o Raphael Moneo, Philip Johnson. Me gusta hablar con Arquitectos jóvenes, siempre estoy hablando con gente, Jeff Kipnis, Mark Whitley, Robert Stern... hablo e intercambio ideas con mucha gente.
Describa su estilo tal como lo haría un amigo suyo?
Uno nunca puede saber en forma simultanea cual es la condición de la sociedad, su llamado ‘zeitgeist’, y cómo la Arquitectura debería responderle. Uno siempre ha tenido que recurrir fuera de la Arquitectura. Siempre lo he tenido que hacer para enfrentar la cuestión del ‘¿Qué debería hacer?’ y yo sostendría que la Filosofía es uno de los recursos mas aptos disponibles. Digámoslo de este modo, en todo tiempo la Arquitectura ha tenido dos roles; ser un reflejo de la Sociedad, o en un sentido ser un ‘Precursor’, no revolucionario ni radical, entre reflejo y radicalidad, eso es algo que yo llamaría Precursor. Pensando en algo que puede inquietar a alguien en el presente.
Pienso en mi trabajo mas como un ‘disturbio’ que en un ‘cambio’, es un cambio radical, ciertamente no es un ‘reflejo’.
Yo diría disturbio, precursor, premonición.
¿Cuál de sus proyectos le ha dado mayor satisfacción?
El proyecto que será más interesante para las personas de mi trabajo, a pesar de que es muy diferente de la mayoría mis trabajos previos, es el Memorial del Holocausto en Berlín. Es un tema polémico y un proyecto polémico, y creo que cuando sea construido, será... realmente no sé como será, pero será muy interesante construirlo.
De los proyectos que he construido, creo que probablemente el Centro Wexner es uno que me entrega muy buenos sentimientos y continúa siendo un trabajo muy didáctico, pero creo que en el trabajo de una vida uno solo puede hacer dos o tres proyectos canónicos que serán precursores de otra cosa. Creo que uno es el Centro Wexner, y el otro puede ser el proyecto del Holocausto, y por supuesto cualquier otro que logre ser un precursor.
¿Hay algún otro Arquitecto o Diseñador que Ud. aprecie del pasado?
Aprecio a muchos Arquitectos, del pasado me gusta Palladio, estoy escribiendo un Libro sobre él, y Piranesi, me gusta Le Corbusier, Terragni, mi libro sobre Terragni está a punto de salir. Me gustan muchos Arquitectos.

El estadio Cardinal, en esta imagen se ve la cubierta retracable, asi como el campo movible. ¿Y de los que están activos? ¿Hay alguno en particular que valore?
Realmente respeto a Leon Krier, a pesar de que discrepo mucho con él, somos muy amigos, también Moneo.
¿Algún consejo para los Jóvenes?
A menos que estés verdaderamente comprometido con ser Arquitecto, en el verdadero sentido de la palabra, es un asunto terrible y no se lo recomendaría a nadie, a menos que lo tengas que hacer por una razón personal, les diría que ingresen en los negocios, las leyes, o medicina, pero no sean un Arquitecto.
¿A qué le teme con respecto al futuro?
A la muerte, le tengo terror a no ser eterno. No me preocupo por el dinero, trabajo o cualquier otra cosa, pero no me puedo conciliar con el hecho de irme a dormir una noche y no despertar. Es lo único que me preocupa, y trato de no pensar en ello, porque me volvería loco. Estar muerto es un pensamiento terrible, eso es lo único, todo lo demás es fantástico, la vida es increíble, a pesar de que hay cosas que salen mal, no me preocupo de nada porque sé que llegaré a mi ataúd, podré entrar, y le pondrán la tapa.
Sé que llegaré ahí y cada mañana y me levanto y digo que tengo toda mi vida por delante y es cierto, y eso me da gran alegría y gran esperanza y felicidad, eso es lo que me sostiene.

Graficando la Crisis

2010-10-29T15:28:00.002-03:00

PAUL REYES

Una de las formas en que recordamos una crisis económica es a través de imágenes. Por ejemplo, la Gran Depresión, contada a través de retratos en blanco y negro de hombres haciendo cola para el pan o con carteles colgados pidiendo trabajo; de un hombre con traje y corbata empeñando el auto para comprar comida; de los barrios pobres.
Recordamos la crisis petrolera de los años setenta –técnicamente dos crisis– no por estadísticas secas sino a través de las escenas de autos y camiones, y a veces gente, atascados en una larga cola serpenteante frente a una estación de servicio que cubría toda la calle, atorando toda una manzana en una ciudad. Y con cada caída fuerte del índice Dow aparece el retrato ubicuo de un agente de bolsa soltando una risotada frente a la máquina teletipo mientras se cubre la cara a medias con las manos en un gesto de incredulidad.

En una era digital, los signos externos del dolor económico resultan muchas veces difíciles de captar. A diferencia de las guerras y los desastres naturales, las recesiones más recientes han sido en gran medida invisibles; programas públicos e ingresos per capita más altos hacen que las colas para el pan y la indigencia absoluta sean hechos poco frecuentes. Pero si bien el desempleo es menos obvio y la inflación todavía no es un problema, hay un aspecto de la Gran Recesión que atrajo no obstante la mirada de los fotógrafos: las ejecuciones hipotecarias. Y aunque todavía nadie sabe si alcanzará el impacto social y artístico del trabajo realizado en la época de la Depresión, la fotografía sobre ejecuciones hipotecarias ya ayudó a definir una época que marcará a la sociedad estadounidense en las próximas décadas.
La dureza extrema de la Gran Depresión dio tema en abundancia a los fotoperiodistas, muchos de los cuales trabajaban para la Administración de Seguridad Agraria (Farm Security Administration en inglés). Sin embargo, lo que transformó la documentación en arte fue el talento disponible en ese momento –Ben Shahn, Gordon Parks, Dorothea Lange y Walker Evans. Es difícil encontrar una imagen con mayor fuerza narrativa que La madre migrante de Lange, donde el rostro sucio de una mujer empobrecida, flanqueada por las nucas de sus dos hijos con el cabello alborotado, proyecta un sufrimiento y una resiliencia capaces de encarnar la lucha del Estados Unidos rural en la década de 1930.
Evans, por su parte, retrató tanto los objetos que rodeaban a la gente como a las personas mismas. En su trabajo con James Agee para documentar la pobreza de los aparceros del sur en su clásico Let Us Now Praise Famous Men de 1936, Evans aprovechaba los momentos en que se quedaba solo en una habitación para estudiarla, creando composiciones magistrales de lo cotidiano –la cocina, el rincón de una habitación, una chimenea llena de objetos– en donde objetos anodinos transmitían lo que los rostros de sus dueños no podían.
La crisis de las ejecuciones hipotecarias todavía no ha producido a una Lange o un Evans, pero sus imágenes comparten una intensidad similar. La historia se cuenta con diversos grados de amplitud e intimidad, y el género ya puede descomponerse en subcategorías. Están los paisajes panorámicos de los desarrollos de viviendas de la época de la burbuja –algunos construidos, otros a medio terminar, algunos apenas iniciados– que esculpen formas de tablero de juego a partir de valles y tierra cultivable.
Tomados desde helicópteros y satélites, ofrecen un comentario fríamente distante sobre el desarrollo desmesurado que alimentó la crisis, y lo repentino del estallido de la burbuja cuando la crisis impactó.
Luego está el trabajo documental más visceral: los campos de batalla góticos de Bruce Gilden en Fort Myers y Detroit, representados no sólo en fotografías sino también en sus fuertes e inquietantes soportes multimedia; y los decididos (y premiados) ensayos fotográficos aguerridos que capturan a los delegados de las autoridades, los inspectores, los consejeros y las víctimas, todos mezclados en Cleveland, una ciudad asolada por las ejecuciones hipotecarias.
Los retratos no siempre son de sujetos humanos; las casas suelen ser el personaje principal. Los interiores, vacíos o atestados de cosas, dicen tanto sobre los residentes desaparecidos como podrían hacerlo sus rostros. Proyectan lo que Evans describió en un ensayo sobre las fotos que Lee Friedlander había tomado de habitaciones de moteles vacías: una “atmósfera de eclipse” en la cual “aumenta en realidad el sentimiento de presencia ciudadana”.
Con las ejecuciones hipotecarias, la capacidad que tiene la casa para representar al sujeto humano se intensifica. David H. Wells, que viene cubriendo la crisis de las ejecuciones hipotecarias desde abril de 2009, prefiere fotografiar una casa antes que a sus abatidos propietarios. “Me mantengo alejado de la gente a propósito”, dice, “porque no quiero que se trate de individuos particulares. He visto trabajos muy contundentes sobre el proceso de evicción, pero empieza a transformarse en algo relativo a esa familia en particular”. De esta forma, él espera tocar una cuerda universal. “Me parece que al mantenerlo anónimo dejo que las personas pongan más en la imagen sus propios sentimientos en cuanto a la casa y lo que harían en esas circunstancias”.
Documentar una ejecución hipotecaria requiere una invasión de la intimidad –una incomodidad compartida por el delegado del alguacil, el equipo encargado de discutir, un periodista o un fotógrafo. Después de haber pasado yo mismo estos últimos dos años escribiendo sobre la crisis, puedo decir que esa incomodidad no se disipa.
El sentimiento implícito en las cartas y las fotos abandonadas hace tiempo nunca se evapora completamente, por deterioradas que estén. Esa idea de invasión, extrañamente equiparable a una intimidad incómoda, forma parte de la tensión voyeurista de documentar las casas que la gente abandona –a veces con una precipitación que deja diseminados juguetes y trofeos y cartas de amor, a veces con el tipo de orden y prolijidad que habla de un orgullo obstinado.
Pero al ver los interiores de las ejecuciones hipotecarias, se produce algo curioso: la incomodidad voyeurista pasa, y empezamos a armar los personajes faltantes. En general, ya conocemos las circunstancias; pero, ¿por qué dejaron una foto instantánea de los hijos tamaño billetera? ¿Qué dejó esos agujeros en la pared? A través de esas preguntas que se agitan detrás de la mirada inquisitiva, los retratos se convierten en una suerte de estudio forense.
En medio de los interiores, se descubre un nexo entre el documental y la naturaleza muerta. La serie de Todd Hido, por ejemplo, se mueve a partir del estado de ánimo, con la mayoría de las habitaciones totalmente despojadas, salvo una lámpara dejada en un rincón o un perchero de plástico sobre una alfombra sintética azul. Si bien las habitaciones no están exactamente limpias, se sacó de ellas todo lo significativo que no estuviera sujeto con tornillos.
La fuerza, en estas imágenes, está dada por la luz, la poca que hay, y la forma en que da contra una pared. Son, en este caso, estudios sobre matices y texturas y gustos, coloreados por el contexto. La estética, la belleza incluso, aparece donde nadie lo espera.
De todos modos, ¿las imágenes tendrían la misma resonancia sin saber de antemano que estamos viendo una casa que fue embargada? Probablemente no. En gran medida, las fotos de Hido se parecen a la serie fotográfica de Marion Berlanger sobre la propiedad en el limbo, lo que ella denomina “escenarios intermedios”, ese momento en que la propiedad ha sido usada y espera ser reciclada. No obstante, cuanto más tiempo se pasa con estos interiores, más aflora la presencia humana: en las marcas dejadas por las patas de la mesa, en las manchas de uso sobre el canto de una puerta, o en una puerta no cerrada del todo. Desde las habitaciones vacías hasta las habitaciones repletas de cachivaches, los descubrimientos hablan de un sueño roto.
Algunos interiores, como los captados por T.J. Proechel, fueron acondicionados para que todo lo que había en una habitación entrara en el cuadro; otros, como los de John Francis Peters, se tomaron con las habitaciones tal como fueron encontradas. Los fotógrafos discutirán interminablemente si acondicionar una foto es apropiado para una tarea específica. Pero la propia Lange dio directivas a su madre migrante hasta obtener la toma indicada. Y en cualquier caso, la misión es comunicar la verdad, no necesariamente hechos detallados.
Lamentablemente, la iconografía de la crisis inmobiliaria corresponde a una década de desastres estadounidenses, todos los cuales han quedado preservados con un detalle sorprendente, desde el relato operístico que hizo Joe Meyerowitz de los esfuerzos de recuperación en Ground Zero, pasando por los retratos de Robert Polidori y también de Chris Jordan de las casas masacradas en New Orleans después de Katrina, hasta la última anotación, las sombrías manchas de Roschach petroleras en el Golfo de México.
A medida que la crisis inmobiliaria sigue desplegándose, crecen los retos que implica mantenerla visualmente fresca para un público impaciente. “No es un tema fácil de visualizar”, dice Suau, quien, junto con otros varios escritores y fotógrafos, lanzó hace poco un colectivo sin fines de lucro con el espíritu de la Administración de Seguridad Agraria, llamado Facing Change. “En una sola imagen es difícil ilustrar la magnitud y la enormidad del problema. Pero todos parten de la misma idea y el resultado a la larga es el mismo”.
© The New York Times

Buenos Aires en Verde

2010-10-22T15:33:00.002-03:00

Buenos Aiores en Verde:

Lo que puede ser habitual y hasta folclórico en las viejas casas con patio y emparrado no lo es tanto en edificios de propiedad horizontal. A saber, que la vegetación cumpla un papel crucial en el control del asoleamiento y la climatización de una vivienda, o en varias como en este caso. Eso es lo que ocurre en el edificio de Vilela 1875, proyectado por Billy Gutraich, Irene Joselevich y Ana Rascovsky: un pequeño complejo multifamiliar vestido con un profuso velo de plantas que se adecua naturalmente a los requerimientos del confort climático de acuerdo al ciclo de las estaciones.

En el origen de este proyecto –uno de los ganadores en el Premio Bienal SCA-CPAU– hubo un terreno de forma trapezoidal en el barrio de Núñez, junto a las vías del ferrocarril Mitre, con 14,5 m2 de frente que se reduce hasta 4,5 al fondo, bordeado a los costados por una medianera y una diagonal que sigue el trazado de las vías. Aunque la orientación hacia las vías, al oeste , era la más desfavorable desde el punto de vista del sol, los proyectistas de todas formas decidieron abrirse enteramente hacia esa dirección por considerarla “un hecho positivo , como si fuera un río o un canal”, según explica Rascovsky.
Por este motivo se decidió no concentrar toda la superficie construida al frente del lote, sino que, por el contrario, se la apoyó en la medianera para ganar metros lineales sobre la mejor vista . El resultado fue un volumen con planta en forma de “C”, con dos niveles de dúplex, retirada de la vía y elevada sobre una planta baja libre donde se ubicaron las cocheras. A diferencia de otras construcciones vecinas, cerradas y ciegas hacia el tren, en este caso toda la apertura y la “porosidad” del edificio –que fue muy ponderada por el jurado del Premio Bienal– se orienta hacia el poniente y las vías.
Pero aún quedaba por resolver el inconveniente del sol a la tarde, y para eso se recurrió –además del doble vidriado hermético– a la solución vegetal. “ El verde hace la diferencia , es lo que vivifica a los edificios, que por definición son algo seco”, asegura Gutraich. Así fue que se diseñó para todo el perímetro del edificio –salvo la medianera ciega– una doble fachada para contener a la vegetación.
Casi toda la envolvente del edificio es vidriada, pero se la rodeó de aleros de 45 cm de ancho que contienen grandes maceteros y generan un espacio de transición . A su vez, este espacio es delimitado por una estructura metálica en la que pueden crecer las distintas plantas trepadoras, todas autóctonas y resistentes, seleccionadas por Joselevich, quien también es una reconocida paisajista.
Este espacio, al que los proyectistas denominan buffer , funciona, según apunta Gutraich, como una “cámara de transformación de temperatura , que genera un clima fresco incluso en las tardes más agobiantes del verano”. Precisamente el momento de mayor crecimiento de las plantas coincide con las temperaturas más altas y, a la inversa, en las estaciones frías las ramas quedan peladas y el sol ingresa sin obstáculos.
Rascovsky agrega que el edificio es una “ dimensión manejable ”, que permitió diseñar distintos tipos de unidades casi personalizadas. “Son como casas elevadas, en las que todos los detalles de terminación están resueltos artesanalmente”, asegura. Por caso, se utilizaron cañas para los picaportes y cercas divisorias entre balcones. “Es un proyecto que nos lleva a pensar dónde termina el gusto personal y empiezan las soluciones estandarizadas”, reflexiona.
Agrega que la unidades tienen olor a flor y sonidos de pájaros, y que en invierno sus paños vidriados se cierran “para poder disfrutar el silencio ”. Estados de ánimo que también siguen el ciclo de las estaciones.

Zaha Hadid en Privado

2010-10-22T15:30:00.001-03:00

Simon Hattenstone. The Guardian, especial para Clarín

La mucama baja a abrirme y se deshace en disculpas porque el timbre no funciona. Me lleva hasta el penthouse en silencio. Cuando se abre la puerta pienso que estoy sufriendo un ataque de ceguera de nieve. L a más blanca de las blancuras reina en todas partes : pisos blancos, paredes blancas, cielo rasos blancos, esculturas de fibra de vidrio blancas que hacen las veces de sofás blancos. En el extremo del ambiente apenas alcanzo a distinguir una visión de negro y enormes anteojos de sol que está sentada ante un gran escritorio blanco. Zaha Hadid luce una remera negra ajustada, un saco de Issey Miyake del revés que tiene algo de lona, calzas negras y botas negras de aspecto mojado. Tiene sesenta años. Sólo ella podría decirlo.

Este es el lugar donde vive en Clerkenwell, en el este de Londres, aunque también podría ser su galería. De todas las instalaciones en exposición, ella bien podría ser la más espectacular y compleja.
Se la podría ver como la Reina de Corazones gritando “Que les corten la cabeza” a súbditos insubordinados. Es una férrea dictadora de su propio país de las maravillas, así como una de las mejores arquitectas del mundo. La revista Time la nombró la principal pensadora del mundo en su lista de 2010 de personas influyentes. Está en su mejor momento. Por fin ve cómo se concretan sus sueños. Acaba de ganar el premio Stirling por su centro de arte Maxxi en Roma. Su portentoso centro acuático integrará las Olimpíadas de 2012 y está por comenzar su primera construcción en su país natal, Irak.
¿Pensó que su trabajo nunca se concretaría? “No. La razón por la que digo que no es porque a mediados de los años 90 decidí que no me iba a afectar . Después de Cardiff (la ópera escocesa que ganó por concurso, pero que fue rechazada dos veces por la comunidad y nunca se construyó) decidí que no me voy a detener a lamentarme.” Zaha soportó durante años la discusión sobre su trabajo, que tiende a concentrarse en el espectáculo más que en lo puramente funcional. Pero sigue sosteniendo que las construcciones “ deben tener un impacto en la vida de la calle y deben atraer a la gente . Tienen que ser interesantes. Esa obsesión por la uniformidad se relacionaba con el período industrial de producción masiva. No tenemos por qué seguir viendo las cosas de esa manera.” ¿Por qué tanta gente pensaba que era imposible que Hadid concretara sus sueños arquitectónicos? “ La gente no cree en lo fantástico.
En los 70, la gente había perdido la fe, y aun más en los 80, con todo el posmodernismo y la idea de que la ciudad tenía que seguir siendo como siempre. En cierta medida, Londres todavía padece eso.” Sin embargo, tal vez el mayor problema fuera la propia Hadid. A mucha gente no le gustaba, pensaba que era demasiado ambiciosa, una extraña, una intrusa en un territorio masculino . Los tiempos cambiaron, dice, y en la actualidad se acepta a las arquitectas mucho más que en aquellos días. ¿Entonces dónde está la próxima generación de Zahas Hadid? “Están ahí.” Déme nombres, le digo. “Ah, son estudiantes.” Me cuenta que tiene muchas estudiantes mujeres, pero que hay un problema práctico . “Sobre todo ahora que se ocupan de la casa, se ocupan de los hijos, se ocupan del trabajo, y creo que con la arquitectura es importante tener continuidad. No es un trabajo de nueve a cinco. Una no puede conectarse y desconectarse.” Tiene una sonrisa adorable, y a pesar de su famosa dureza y de su negativa a tratar de caer simpática, tiene calidez. Podría verla como una madre, pero no tiene hijos y vive sola. ¿Hizo sacrificios para llegar al lugar en que está? “No, no.” Un segundo después, cambia de opinión. “Por supuesto, tiene un efecto en la vida personal , pero nunca pensé: ‘Voy a sacrificar todo para hacer esto.’ Las cosas son como son.” ¿Hay algún hombre en su vida? “No, no.” ¿Lo hubo en los últimos tiempos? “No, no en los últimos tiempos.” ¿Está contenta con eso? “No lo pienso en esos términos. En la vida las cosas pasan.
Tal vez hay gente que es más estratégica que yo.” ¿Cuándo tuvo novio por última vez? “No puedo hablar de eso. Es personal.” Por primera vez, Hadid se muestra tímida. ¿Piensa que los hombres le tienen miedo? “No, no pienso eso.” Hace una pausa. “Bueno, tal vez algunos sí .” Tiene fama de aterrar a la gente. ¿Creó esa imagen de forma deliberada? “No, no la creé. Soy muy amable y encantadora.” Lo es. Hoy. Pero también es famosa por decir cosas como: “No me dedico a ser amable.” ¿Alguna vez jugó golf? “No.” Piense cuántos edificios podría haber construido si hubiera tenido unos palos de golf, le digo. Sonríe entre dientes. “Hace muchos años que me di cuenta de que hay un mundo al que no puedo entrar.
Como mujer, no se tiene acceso a todos los mundos .” Debe tenerlo ahora que es tan influyente. “Ahora sí, porque me conocen. Pero ni siquiera ahora salgo a navegar o a jugar al golf con mis clientes.
Se trata de ritos masculinos. Es algo que me asombra.
” Se asombra tanto que se saca los anteojos. “En Nueva York me invitaron a un almuerzo. Me iba a reunir con gente importante. Toqué el timbre y me indicaron el piso. Cuando llegué arriba, un tipo me vio y casi le da un ataque de epilepsia porque en ese piso no se admitían mujeres. ¡En Nueva York! ¡No se admitían mujeres en ese piso! Fue hace dos años. ¿No es asombroso?” Le pregunto si puedo recorrer el departamento. Accede. El dormitorio me da otro ataque de ceguera de nieve: enorme cama doble blanca, persianas blancas, tocador blanco con decenas de frascos de perfume. Frente a la cama, un gran televisor de pantalla plana y, en el baño, un gigantesco espejo curvado y cortado como un continente. “La única peculiaridad de este departamento es que no hay cocina ”, dice.
¿Cómo puede vivir sin cocina? “Bueno, antes había, pero la eliminé. Era fea .” ¿Alguna vez cocina? “No. Tuve a un cocinero, pero ya no. Salgo todo el tiempo, ” dice, y define a Gran Bretaña como “un lugar gracioso.” ¿Es su hogar? “Lo es. La verdad es que me gusta.” ¿Qué es lo que le gusta? “Es anticuada. Es gris.” ¿Tal vez no se destacaría tanto en otra parte? “No sé.
Me destaqué en China. Soy así.”

Feliz Cumpleaños: Sir Christopher Wren

2010-10-20T14:30:00.001-03:00

Sir Christopher Wren (20 de octubre de 1632 - 25 de febrero de 1723) fue un científico y arquitecto del siglo XVII, famoso por sus trabajos de reconstrucción de las iglesias de Londres tras el gran incendio de 1666. Fue miembro de la Royal Society.
Wren es conocido por su diseño de la Catedral de San Pablo, una de las pocas catedrales de Inglaterra edificadas después de la época medieval y la única de estilo renacentista de todo el país. Se inspiró en la Basílica de San Pedro de Roma para el diseño y, aunque Wren se encontró con una fuerte oposición, consiguió dotar a Londres y a Inglaterra de uno de sus edificios más hermosos.

Biografía

Nacido en Wiltshire, Wren era el hijo del diácono de Windsor, un cargo real que causó privaciones a la familia durante la época de la Commonwealth (1649 - 1660). De niño conoció al joven príncipe Carlos que más tarde se convirtió en el rey que empleó a Wren como arquitecto. Estudió en el Westminster School y en el Trinity College de Oxford. En 1657 se convirtió en profesor de astronomía, primero en el Gresham College y más tarde en Oxford, cargo del que dimitió en 1673. Fue reconocido como un científico brillante incluso por Isaac Newton, quien no tenía costumbre de elogiar a los demás. Wren fue también miembro fundador de la Royal Society de la que fue presidente entre 1680 y 1682.
Su primer proyecto arquitectónico fue el Teatro Sheldonian, que aún se puede ver en Oxford; también diseñó otros edificios universitarios, tanto en Oxford como en Cambridge, incluyendo las capillas del Pembroke College y del Emmanuel College.
Tras el gran incendio de Londres fue escogido para ser el arquitecto de San Pablo ya que el anterior edificio había quedado destruido. El diseño y la construcción de la nueva catedral empezaron en 1675 y no se terminaron hasta 1710; durante este tiempo, Wren, junto a sus asociados, diseñó numerosos edificios, incluyendo 51 iglesias para sustituir a las 87 destruidas. Además, también colaboró en el diseño del Monumento al Gran Incendio de Londres, el Observatorio de Greenwich, el Hospital de Chelsea, el Hospital de Greenwich, Marlborough House y otros muchos edificios destacados.
Christopher Wren fue nombrado caballero en 1673 y sirvió como miembro del Parlamento en 1685-1688 y 1702-1705. Está enterrado en la catedral de San Pablo.
Christopher Wren fue el último Gran Maestre Masón de la vieja francmasonería operativa de Inglaterra, abandonó su cargo en 1702. Quince años después los pastores protestantes Anderson y Desaguliers fundarían la actual masonería especulativa en la nueva Gran Logia de Inglaterra 1717

En Maipú y Paraguay

2010-10-13T13:57:00.001-03:00

El primer gran desafío del estudio Roitenberg & Asociados, a cargo del proyecto y dirección del nuevo Hotel Pulitzer en Buenos Aires –el cuarto de la firma con presencia en Barcelona, París y Roma–, era mantener los códigos, la personalidad y el prestigio de esta cadena hotelera internacional perteneciente al Grupo Regina, de España. El nuevo edificio se desarrollará sobre un terreno en esquina, sobre la intersección de las calles Maipú y Paraguay.

La situación de esquina permitirá que el imponente edificio, conformado por prismas rectangulares, juegue con la volumetría y sus aterrazamientos. La fachada se destaca por los contrastes generados entre la carpintería metálica de los marcos negros sobre las ventanas y el revoque de las paredes exteriores, color claro. Los sucesivos retiros rematan en una última estructura de ladrillo a la vista.

El edificio tiene 15 pisos y 104 habitaciones de categoría (cuatro a cinco estrellas). Además cuenta con servicios como gimnasio, piscina, solarium, sauna, salón de eventos y un gran “sky bar” en el piso 13. Según el arquitecto Guillermo Roitemberg, responsable principal del proyecto, “este es el espacio preferido para quienes visitan la obra y lo será seguramente para aquéllos que disfruten el hotel una vez que esté funcionando a pleno”.

Entre la planta baja y el entrepiso están los locales comerciales, además del lobby y un bar abierto tanto para huéspedes como para clientes eventuales. El hotel cuenta con cuatro subsuelos en donde se distribuyen cocheras, espacios comunes y servicios generales.

Delicado equilibrio

Según el estudio Roitemberg, el diseño exterior del hotel transmite una imagen clásica que no necesariamente toma elementos históricos concretos. A la vez, crea una tendencia actual sin necesidad de utilizar materiales de última generación.

Así se logra un equilibrio de acuerdo al lenguaje sugerido por el cliente, “un hotel de tradición histórica en una ciudad pujante en la renovación de la arquitectura y el diseño”.

La utilización de elementos sencillos, como la piedra parís, el aluminio y la madera, cuidadosamente combinados, apuntalan su imagen austera, sobria y elegante a la vez. El diseño de interiores, realizado por el Contemporain Studio, con sede en Barcelona, mantiene el lenguaje clásico de los Pulitzer europeos.

El Pabellón Resnick se inagura en LACMA

2010-10-12T16:58:00.002-03:00

The Resnick Pavilion at the Los Angeles Museum of Art opened last week to tonne of publicity and throngs of celebrities who were eager to get a first look at the new building. The 45,000 sq ft structure is touted in the museum’s press release as ‘the largest purpose-built, naturally lit, open-plan museum space in the world’. Designed by Italian architect Renzo Piano, the pavilion is affectionately termed the Grand Piano by LACMA’s Director Michael Govan, to reference that the building’s modest size is by no means a measure of its artist achievement.

The fact that Piano can work wonders at a smaller scale should come as no surprise to anyone who has visited the Morgan Library in New York where he clarified the building’s plan and brought natural light into its dower interior while transforming the visitor experience. Piano’s ability to quickly survey complex situations and to distil commissions down to their very essence is legendary and something he seems to do with relative ease. While his working method is consistent, the structures that are born of it are anything but clones, which is why Piano builds such good buildings.

The design of the Resnick Pavilion is informed by an amalgamation of ideas drawn from a multitude of sources, including the architect’s memory. Like the Broad Contemporary Museum of Art, which Piano completed in 2008, the Resnick Pavilion is built of travertine glass and steel and has a saw-tooth roof that is designed to modulate the California sun - but here they are expressed as a one storey building as opposed to the multi-storied BCMA.

The horizontality of the building makes for an interesting counterbalance to the BCMA’s vertical massing and it creates an extremely flexible space that can be configured in a variety of ways to accommodate different sized and scaled art works. The decision to make the pavilion a single storey structure was motivated in part by Govan’s love of the Dia Beacon in New York, a former factory building re-purposed as an art museum in 2003 which Govan had a hand in designing when he was the Dia’s director.

Govan believes that Dia’s industrial character and its vast unencumbered space, broken only by columns, is an ideal space for viewing art; so naturally he was enthusiastic about recreating these qualities in the Resnick Pavilion. With the pavilion’s skin and bones determined, Piano added a splash of scarlet to the building’s main façade which animates the façade and cleverly masques the air ducts, which like Piano’s Centre Pompidou, are external to the building. These ducts also serve to unify the museum campus, as they reference the red colouration of the BCMA’s escalator, the BP Grand Entry and the Kendall Concourse running between the two buildings. For the pavilion’s opening, the interior space is subdivided to accommodate three exhibitions.

Renzo Piano once said that, ‘architecture is an art of theft’. At the Resnick Pavilion, Piano has richly woven the ideas and inspirations of many into a tapestry that is clearly his own.

Visita por letras al Colón

2010-10-08T19:19:00.002-04:00

Por: Natalia Páez

Usa el verbo en presente, en un depósito alto y gris, que alimentó durante un año y medio, el tiempo que tardó en llenarlo poco a poco. Es feliz, aunque esté en este habitáculo más largo que ancho, estrechado con estanterías metálicas sofocadas de piso a pared. Ajena al aire caliente y seco en el que se elevan, de a millones, partículas de polvo.

—Los muchachos de bomba me prestaron un carrito que yo llamo “la Ferrari” para subir los casi cien mil documentos, entre papeles, fotos y discos. Y los tres mil libros. El mío ha sido un trabajo de amor. Sólo con amor se pueden enfrentar tantos avatares.

Diana Fassoli es pequeña, delgada y a veces erguida. Tiene unos ojos oscuros, casi siempre nublados tras unas gafas de aumento, y una fuerza temible, aguerrida, cuando habla de las cosas que quiere cambiar, las que no le gustan. Ella es la bibliotecaria histórica y los “muchachos de bomba” son los técnicos que trabajan donde está la bomba de agua que alimenta al gigante, el Teatro Colón de Buenos Aires, a 200 metros de uno de los iconos más reconocibles de esta metrópolis, el Obelisco porteño.

El edificio que se ve desde la superficie, majestuoso, de enormidades explícitas, es sólo la cabeza del monstruo enterrado. Los subsuelos se hunden y expanden más de dos veces su tamaño, dibujando laberintos y cavernas donde se disponen la escuela de arte y los talleres en los que se realizan las producciones para cada temporada. Cincuenta y ocho mil metros cuadrados ocupa toda su superficie. Ya casi no quedan teatros líricos en el mundo con estas características.

Es, literalmente, una fábrica de cultura. Un engranaje que se autoabastece. Una imago mundi. Cien años han pasado desde que el Colón abriera sus puertas por primera vez. Tuvo su aniversario el 25 de mayo. Un cumpleaños sin festejo que encontró al edificio en obra, aunque desfinanciado, y transitando su peor momento histórico. Durante 2007 estuvo cerrado y así estará por lo menos hasta 2010, que es la nueva fecha en la que el Jefe de Gobierno de la ciudad prometió reabrir la Sala Principal. Jamás había pasado una temporada totalmente cerrado. Ni por el dedo de ningún dictador, ni durante la guerra de Malvinas, ni por ninguna crisis económica. Ni siquiera durante la última gran hecatombe por la que pasó Argentina a fines de 2001, cuando la historia del país era una tragedia operística y por las veredas del teatro marchaban los argentinos haciendo sonar cacerolas para derrocar un gobierno. Sin embargo, para entonces, ya habían empezado las obras de restauración.

Cuando en el año 2000 se decidió emprender la restauración y actualización tecnológica del Teatro Colón, el trabajo se dividió en cuarenta obras bajo un nombre paraguas: “Master Plan”, un plan de trabajo que encastra unas obras con otras estableciendo prioridades de intervención para poder trabajar a teatro abierto. La primera acción empezó en 2001. Y prometieron que este 25 de mayo estaría listo para ese cumpleaños especial: el Centenario.

—El día del Centenario tendrían que sonar acordes del Réquiem de Mozart y deberíamos hacer un minuto de silencio. El Colón que era, ha muerto —decía Diana Fassoli semanas antes del aniversario.

Su dolor chorrea como savia del árbol de su estirpe. Su madre, una bailarina de ballet, y su padre, un pianista, se conocieron y enamoraron entre sus paredes. Así vio la luz del día y se crió corriendo entre castillos y naves de utilería, paseándose entre máscaras, pelucas y esculturas; divas de la lírica y divos del ballet; trajes bordados y zapatos de época. Aquí también, cuando casi era una niña, se enamoró de un director de orquesta y tuvieron dos hijas. Hace 34 años vive en cada rincón, entre sus libros, entre bambalinas. Hoy tiene 56. Dice que el suyo ha sido un trabajo de puro amor por el Teatro. Desde que iniciaron las obras sobrevuela la amenaza del traslado de la biblioteca, “su” biblioteca, fuera del edificio. Pero ella reafirma —mientras saca un sable que tiene atesorado de alguna ópera y comienza a revolearlo por los aires— que está dispuesta a dar pelea.

* * *

La entrada al Teatro por la calle Cerrito abre paso a un salón contiguo a la recepción. Un cementerio improvisado de ataúdes verticales. Cajas negras con herrajes plateados que contienen adentro los cuerpos obesos de los contrabajos. Muertos de madera amaestrada, curva, lustrosa, están allí solitarios, indolentes, a la espera de un traslado. Tienen en sus lomos etiquetas blancas con letras de molde que les marcan un destino. Es que las orquestas de aquí —Estable y Filarmónica— están dando conciertos allá. Auditorio tal, jueves 10. Teatro aquel, sábado 19.

Un timbal arrincona su redondez en un ángulo. Junta tierra, ocioso, pegado al muro casi gris del que cuelga un afiche con el primerísimo primer plano de un rostro femenino. Es una foto en blanco y negro que ya tiene sus años. Esa cara cuadrada, pálida, enmarcada por un cabello oscurísimo, cuando se tomó esta foto no era conocida. Hoy es una de las mejores pianistas contemporáneas, la argentina Martha Argerich, una artista entre tantas que trascendieron los límites del Teatro.

Al dejar atrás el cementerio se entra al subibaja de escaleras. Para el foráneo resulta muy difícil mantener la orientación cuando se empieza a recorrer el edificio. Los habitantes de este mundo incorporan con el tiempo la brújula que los deja fluir sin perderse por oficinas, pasillos, salas, catacumbas. De repente se está “debajo de la calle Tucumán”, en los subsuelos donde está el depósito de sastrería, o “del lado de la calle Viamonte”, en el primer piso, frente a este portón gris. Aquí se suele abrir paso al mundo paralelo. El del espectáculo. El de la ficción. Son las puertas que comunican los pasillos con la parte trasera del escenario. Una de las hojas está abierta y se ve a ocho técnicos que remueven los tablones de la plataforma. La pelan, gajo a gajo. Están cambiando las tablas, testigos torturados por célebres pisadas desde hace cien años. En un rincón hay una pila de tablones nuevos que —prometen— durarán otros cien.

Uno de los serenos que trabaja aquí los fines de semana dice que, en el aburrimiento de una de estas tardes de domingo sin función, al hacer su recorrida encontró un amontonamiento de tablas de escenario convertido en basura. Rescató una de su destino fatal. Y se la llevó. Subió con ese peso al tren, camino a casa. Al llegar, su mujer lo reprobó con la mirada, pero él dijo que sobre esas tablas habían pisado los grandes. Pavarotti caracterizando a Otello, Plácido Domingo, el maestro Daniel Barenboim. La tabla estaba allí, entonces, en el living de su casa. Sucia, ridícula. Entre los dos la limpiaron, la barnizaron y la dignificaron, colgándola de una de las paredes del living convertido de repente en museo improvisado, clandestino.

* * *

Es noviembre de 2007. Como una escultura abstracta empotrada adentro de un monumento centenario, el andamiaje se expande y se levanta en el vientre de la sala. De lado a lado, de piso a techo. En el suelo hay un vacío de butacas. Sobre él se apoyan sesenta toneladas de hierros que tejen la telaraña de metal. Entre la trama se ve el circo de palcos con sus estucos y molduras. Desde arriba caen cataratas de nylon transparente que todo lo cubren. En un rincón de las alturas que lindan con el cielo de la cúpula se lee en letras doradas un nombre de mujer. Aida, la princesa esclava que se enamora del militar que usurpa su reino. En 1908, con esa historia de cruento amor que narra la ópera de Giuseppe Verdi, fue inaugurado el Teatro.

Si la cultura argentina tuviera una Sala Principal, sería ésta. La del teatro factoría más grande del país que supo ser el más importante de América Latina y que fue elegido como el mejor del mundo por su acústica para obras líricas. La encuesta de la que surge el dato es del año 2000. Fue realizada entre los mejores directores de óperas y cantantes por el quizá más destacado investigador de acústica arquitectónica, Leo Beranek. Fue publicada en el Journal of the Acoustical Society of America. Pero eso no es todo. En un artículo de la revista Acta Acústica de 2003 —en el que se analiza a los mejores auditorios para música sinfónica del mundo— el Colón no sólo ocupa el primer lugar como teatro para ópera sino que, además, como auditorio para música sinfónica sólo es superado por dos salas construidas específicamente para este fin: la del Grosser Musikvereinssaal de Viena y el Symphony Hall de Boston.

Ahora, una conversación se escucha claramente en la entrada, pero en la sala no se ve nadie. Arriba, suspendido en un andamio, hay un hombrecito de traje oscuro y casco blanco que habla con una mujer de acento italiano. Es Eduardo Scagliotti, el arquitecto responsable de la restauración. Por el laberinto de andamios circula gente. Electricistas, arquitectos, obreros y artesanos. Unos suben, otros bajan, otros se quedan. La garganta que conforma la boca escénica y la sala les amplifica los pasos y ese eco asordinado tiñe al lugar con tintes de templo. Scagliotti grita —aunque no hace falta— “¡suba!”. Y subo. Un zigzag ascendente de 30 metros hasta la cúpula.

—Primero hubo que nivelar el piso, ponerlo derecho para montar esta estructura de andamios. Porque el piso del Teatro fue pensado para usarse derecho —se subía por medio de un sistema mecánico— cuando había bailes de carnaval, a principios del siglo pasado. Bueno, una vez que llegamos hicimos un registro de las patologías. Esto es, como si fuéramos médicos, hicimos un prediagnóstico. Después de las pruebas de laboratorio actuamos.

Si algo impresiona cuando se ingresa a la sala es mirar hacia arriba. Una agresiva araña de bronce bruñido, de siete metros de diámetro y 700 lámparas, se agazapa en la cúpula. Esta joya fue construida en Francia a fines del siglo XIX y es una imponente obra de cincelado.

—Fuimos haciendo las estratigráficas (pruebas de color) y descubrimos los tonos originales, ahora se los voy a mostrar. Hemos ido recuperando todo. Hay seis palcos que hemos pelado a bisturí. Le llevó seis semanas a un artesano descubrir el material con el que estaban recubiertos estos palcos. Que no era pintura. Y mire, vea, esto es un marouflage que descubrimos. Precioso, valiosísimo.

El restaurador sigue su soliloquio con la entonación de un docente. Marouflage es una técnica francesa para realizar murales. Se pintan los fondos y se hace el dibujo en unas telas que luego son aplicadas encima. Así trabajó Raúl Soldi la cúpula, cuando fue invitado a redecorarla en 1966. Este artista, uno de los grandes de América Latina, había nacido en Buenos Aires en 1905, cuatro años antes de la inauguración del Colón. Ver su pintura a la altura de la araña del teatro es una experiencia extraña. Los personajes se ven alargados, fuera de proporción.

—Soldi era un genio de la pintura. Cuando dibujó estas escenas las hizo levemente alargadas porque calculaba el efecto óptico que se produciría al verlas curvadas y desde abajo. Lo hizo con ojo griego.

La sensación de estar en las alturas de la cúpula es narcotizante. No es el vértigo de encontrarse a 30 metros de altura. Son todos estos celestes, rosas, estos oros y ocres. Esos seres angelados que insinúan tener algo que ver con la música. El cielo de Soldi.

* * *

Cuarto piso. El sonido que se aplasta al fondo de este pasillo apagado y circular tiene un tempo allegro. Detrás de la puerta de madera no se puede ver nada. Sólo resta oír ese piano que marcha rapidito e imaginar una lección de ballet. O recrear la que fuera una de las funciones memorables del Teatro, en 1977.

Silencio en la sala. El nudo de la historia de Giselle se va a desatar. El esperado pas de deux, el punto de máximo lucimiento entre los primeros bailarines. Aparecen ellos. Él, Vladimir Vasiliev. Ella, una bailarina de 24 años del cuerpo del Colón. Silvia Bazilis, en el papel de Giselle. El público los ovaciona.

—La primera vez que llegué al Colón tenía ocho años. Antes no sabía ni que existía. Yo estudiaba danza en una escuela de mi barrio, Villa Urquiza. Me enteré por mi maestra que en el centro había un teatro grande. Fue ella quien averiguó y animó a mis padres para que me llevaran a rendir el examen para entrar. Me impactó la sala de ensayo, la que se conoce como “La Rotonda” porque es toda circular y llena de espejos. Yo a pesar de ser una nena, me di cuenta de que ahí iba para algo serio. Ya no se trataba de ir a jugar.

Silvia Bazilis recuerda. Sigue siendo delgada y mínima, tan bailarina. A su rostro pálido lo acarician unos cabellos rubios, de ceniza. Con su belleza de sílfide, etérea, es una de las más grandes y queridas bailarinas argentinas. Se prepara para dar una clase y trae a su memoria sus días en el teatro. Desde que llegó, a los ocho años, no se fue más. Para entrar dio un examen que duró tres días. De los 500 postulantes —500 niños— entraron 25. Y al cabo de diez años sólo terminaron dos. Allí se enamoró de un bailarín y se casó. Se retiró a los 41 como primera bailarina. Y ahora es maestra de danza. Los viejos ascensoristas del Teatro la siguen llamando “Silvita”. En aquella sala llamada La Rotonda hoy sueña su sueño de restauración del telón principal del escenario, un cortinado como de realeza, que pesa 1 500 kilos.

—Un, dos, tres… demi-plié. Y un, dos, tres, ¡attitude!

Silvia Bazilis deja sus recuerdos y marca las consignas a los bailarines, con el encriptado lenguaje de la danza clásica.

—Yo sufro lo que le está pasando al Teatro. Lo sufro porque lo amo y siempre fue mi casa. Pero pienso que los que realmente están sufriendo ahora son los chicos, los bailarines, que ni siquiera tienen perspectivas de volver el año que viene. El año pasado hicimos la temporada fuera del Teatro, supuestamente este año se entraba de nuevo, pero las perspectivas se estiraron hasta 2010. Pienso que deben tener miedo.

—¿Miedo de qué?

—De que no se vuelva a abrir.

Además de Vasiliev bailaron en el Colón Vaslav Nijinsky, Rudolf Nureyev y Mijail Baryshnikov. En 1985 el argentino Julio Bocca marcó un hito en la historia de la danza. Fue el primer bailarín no ruso en ganar el premio máximo del inalcanzable Concurso de Ballet de Moscú. Él también se crió en el Teatro. Desde los ocho años iba a clases por la mañana en el Instituto Superior de Arte, ensayaba durante toda la tarde y, en muchas oportunidades, sumaba clases y funciones por la noche. Hay quienes cuentan que al final del día los exhaustos alumnos se tiraban, agotados de ensayar, sobre los mullidos palcos de terciopelo carmín de la sala del Teatro. Cuentan, también, que allí se enredaban, de cuando en cuando, amorosamente. Bocca dijo que en esos rincones, para él cotidianos, lo hizo por primera vez, a los trece años. Bajo la araña.

* * *

"No hay una sola noche que no sueñe con el Colón”.

Desde que asumió la responsabilidad de coordinar los proyectos de las obras, el arquitecto Andrés Schulman duerme menos. Su tarea ha sido ensamblar los proyectos del Master Plan con la precisión de un director de orquesta. Es el hijo de un arquitecto y una escenógrafa. Es escultor aficionado. Sus padres lo llevaban al teatro desde muy chico, sobre todo los domingos, cuando había conciertos para niños. Tiene 40 años y, dice, todas las noches se despierta pensando cómo dar solución a algún problema.

—Es un desafío gigantesco, único. Se trata de conservar el carácter y la estructura de un edificio de cien años, al que hay que incorporarle la tecnología del siglo XXI, sin alterarlo.

El noventa por ciento de los teatros líricos del mundo se perdieron por incendios. Nosotros, entre otras cosas, tenemos que renovar todas las telas, cambiar todas las cañerías y las instalaciones eléctricas. Renovar camarines, acondicionar talleres. Sin alterar el monumento. Sobre todo no tocar nada que altere la acústica. Nuestro asesor de sonido dice que si el Colón fuera un violín Stradivarius sería el mejor de ellos.

Cuando el ejército de técnicos del Master Plan se instaló en el edificio, muchos de los 1 500 empleados del Teatro lo vivieron como una invasión. La planta está compuesta por los artistas de sus dos orquestas, del coro, del ballet y de los servicios auxiliares, incluida la mayordomía, y los maestros del Instituto Superior de Arte, donde se forman cantantes, bailarines, músicos.

* * *
En febrero de 2008 el recién asumido Jefe de Gobierno de la ciudad de Buenos Aires, acompañado por el recién asumido Director del Teatro Colón, anunció que las obras de mantenimiento y puesta en valor estaban desfinanciadas. Que ya se habían gastado unos 47 millones de dólares (150 millones de pesos argentinos) y que no estaba ni 30 por ciento terminado. Anunció también que los plazos de apertura de la sala se estirarán hasta 2010. Que no habría festejo del Centenario con el Teatro abierto.

Parece una historia circular, un eterno retorno. Cuentan las crónicas que el proyecto para construir el segundo Teatro Colón (el primero funcionaba en otro edificio porteño hasta 1888) iba a ser inaugurado antes del 12 de octubre de 1892, aniversario de la llegada del marino a América. Pero dificultades presupuestarias, políticas, burocráticas y otras igualmente penosas prolongaron los plazos. La obra dio comienzo con el proyecto del arquitecto Francisco Tamburini. Pero este murió tempranamente y su compañero Víctor Meano se hizo cargo e introdujo los primeros cambios importantes al proyecto original. “Este género que no llamamos estilo por demasiado manierado, quisiera tener los caracteres del Renacimiento italiano, alternados con la distribución y solidez de detalle de la arquitectura alemana y la gracia, variedad y bizarría propias de la arquitectura francesa”, describió Meano a principios del siglo pasado.

En 1904, como un sino fatal sobre la obra, él también murió. Fue el arquitecto belga Jules Dormal quien asumió la responsabilidad de llevarla a término e introducir modificaciones, dejando impreso su sello en el estilo francés de la decoración. Una síntesis de eclecticismo que incluyó detalles neogriegos en la fachada. El nuevo Colón fue inaugurado 20 años después de la fecha prevista.

* * *

El pasillo que une la parte antigua del Teatro con la nueva, donde están los talleres de esta fábrica, tiene forma de túnel y está decorado con fotos. Un flash para Turandot, un congelado de Carmen. Un chorro de luz solar bendice estos subsuelos. Sobre un rincón, una enorme caja roja de herrajes reforzados tiene destino trasandino. La Bohème se va a Chile. A juzgar por el tamaño de este arcón, hay varias decenas de trajes dentro. La jefa de sastrería corre de aquí para allá. Las máquinas de coser doblegan telas, amaestran accesorios, domestican plumas, siembran lentejuelas.

Sobre una mesa de trabajo el cuadro del horror: cabezas calvas mutiladas. Parecen todavía calientes y temblorosas, como recién sacadas del canasto bajo la guillotina. En un costado un torso. Si alguien cayera de pronto aquí sin saber dónde está, probablemente también temblaría. Es el corazón del engranaje en el que se fabrica la simulación. Las cabezas, carne de papel maché, descansan en paz por el abandono de alguien que las dejó tiradas sobre este tablón.

El “magazine”, así llaman al depósito contiguo al taller de sastrería, es una hipérbole de clóset. Es el lugar en el que se guardan todos los vestuarios —de todas las producciones que se han hecho hasta ahora— en armarios de metal. A lo lejos, una auténtica armadura romana. De cerca, la mentira se materializa en cuero pintado en plata y apliques de lamé.

Cada uno de los armarios tiene trajes de una ópera distinta. En uno hay sólo tules blancos, flores bordadas, vestidos espumosos, colores pastel. Son los trajes de Romeo y Julieta, la ópera de Charles Gounod basada en el clásico más clásico de Shakespeare. En la puerta de al lado, descansan los vestidos de una de las siete “Aidas” de Roberto Oswald, quizás el régisseur más representativo del Teatro y cuya vida profesional es emblema del crecimiento que una persona puede alcanzar dentro de esta escuela. Comenzó como escenógrafo, fue iluminador y llegó a di-rector técnico. Pero se destacó mundialmente como régisseur, profesión hermana de la de director de cine, que radica en edificar visual, teatral y musicalmente sobre el escenario lo que el compositor y el libretista de la ópera plasmaron en partituras. En lenguaje futbolístico, el director técnico.

* * *

Tercer acto de Aida: la princesa etíope está hablando con su padre, el Rey, a orillas del Nilo, quien la convence de traicionar a su amado para salvar a su pueblo. Aida lanza un rugido doloroso y canta: “Patria mía cuánto me cuestas”. Ése es el cuadro preferido de Oswald. Tiene 75 años y 45 de ellos dentro del Colón. Durante 30 ha sido régisseur. Y sigue trabajando tan duro como cuando empezó: 18 horas diarias. Aida es una ópera temida por su monumentalidad escénica. Oswald la montó siete veces con sus propias escenografías, una de ellas famosa por instalar en el escenario una esfinge de 12 metros de altura.

—¡Si viene por el Teatro Colón, desde ya, le digo que de ese tema no hablo!

Así responde parco, tajante, con una temible voz de barítono. Teme que lo increpe en busca de detalles acerca de las rencillas políticas y económicas que han llevado al gigante a estar postrado. No tiene ganas de hablar de esa parte que lo avergüenza del lugar en el que ha vivido casi su vida entera. Se niega rotundo y gruñón, en el hotel en el que está viviendo desde hace semanas en la ciudad de La Plata, a una hora de Buenos Aires. Cabellos canos y bigote al tono, muestra su genio de maestro con mal genio. Pero luego habla.

—Para mí el Colón significa mucho. Es el lugar donde yo me he formado, donde yo gasté todos estos años de mi vida, muchas horas… Mientras estaba al frente de la dirección además supervisaba todos los trabajos de iluminación. En mis primeros ocho años hice ese trabajo sin cobrar un peso. Lo hacía por el Teatro. Y aprendí mucho, gané en experiencia. Amaba ese lugar y lo que hacía.

Oswald continúa con un largo monólogo magistral. Una clase gratis de historia de la ópera. Que el de Aida es un Verdi normal, mediano, no es todavía el último Verdi, el de Otello. Que la escena de Aida con su padre en el Nilo ya anticipa al enorme genio de la última etapa. Y que la ópera ha sido la predecesora del cine: de primera forma musical, pasar a una forma descriptiva, de ahí a las pinceladas psicológicas. Que eso lo vemos en Bellini y en Donizetti.

—El Teatro Colón podría ser como una metáfora de la Argentina, aunque no estoy seguro, porque hace mucho tiempo que está en vaivenes. Cada uno de los que subió a director técnico tuvo buenas intenciones, lo que pasa es que para algunos por ambición la meta se hizo turbia. Al menos se traiciona cuatro veces por día a alguien allí adentro. Sumadas las intrigas políticas es, sí, como una tragedia operística. De todos modos Shakespeare dijo que no hay mentira que pueda durar cien años enterrada. Y yo creo que tampoco los verdaderos valores quedan ocultos. El Colón va a resurgir en sus verdades, a pesar de los errores que se han cometido.

* * *

Ascensor, cuarto piso. La puerta del depósito improvisado por Diana Fassoli, se abre justo adonde termina una escalera de mármol blanco, ancha, en espiral, perseguida por un herraje repujado, negro, barroco y barandas de madera lustrosa. Comenzamos a descender por esta serpiente que ha perdido parcialmente la piel y muestra sus muros descascarados. Pedazos de revoque cuelgan en algunos rincones y ya hay esbozos de agujeros en otros. Un foco manchado pende de un cable. Un hilo de luz amarillento, inestable, cae sobre un afiche de Le nozze di Figaro. Personaje de la ópera de Mozart que luego mutó en El barbero de Sevilla. Más allá otro afiche. También viejo y polvoriento: El lago de los cisnes.

—Ésta es mi mamá.

Diana apura su dedo índice sobre una de las cuatro bailarinas que un fotógrafo tomó desde las alturas. Las cuatro tienen idénticos tocados. Cuerpos casi iguales. Todo blanco, todo cisne. Y esas luces cálidas que todo lo amalgaman y dan un aire de ensoñación. Su mamá es la noreste. Cuadrante arriba, a la derecha. Diana mira con media sonrisa y detiene por un momento su paso de guía por este teatro silencioso, semivacío, semiluminado.

* * *

Otro pasillo circular comunica con distintas oficinas. Todas cerradas. Taller de pintura, coordinación de actores, coordinación de figurantes. Puerta abierta. Un hombre y una mujer están sentados en una mínima habitación forrada de afiches de ópera y de ballet, objetos, pañoletas, máscaras, muñecos. Un teléfono, un calendario. Dos sillas.

—Todavía no hemos recibido ninguna notificación ni nada. Pero nos han dicho de palabra que nos tenemos que ir.

—¿Adónde?

—No sabemos querida, nos tienen que notificar. Pero ya nos dijeron que embalemos todo.

—Todo.

La mujer es Alicia Fuentes. Trabaja en esta oficina desde 1978. El hombre, Luis Tocallini, entró un año antes. Son quienes reciben a los postulantes que quieren figurar en las óperas. Actores, bailarines, cantantes que están empezando y quieren hacer carrera. Hasta ellos llegan también padres con sus hijos, soñándoles futuros de protagónicos. Hasta aquí llegó una nena de cinco años a figurar en un ballet y con los años se convirtió en Paloma Herrera, bailarina que se formó aquí y luego se fue. Y hoy es estrella del American Ballet Theatre.

—Por ejemplo, para Aida, ¿cuántos se necesitan?

—Un Aida tiene 200 figurantes, sí querida, tranquilamente… hay una marcha que pasa, de mucha gente.

—Mucha.

Siguen, puerta abierta, sentados en sus puestos de trabajo, sin trabajo. Rumiando recuerdos, esperando nuevos tiempos de bonanza.

* * *

Diana está en su dependencia del cuarto piso. Paredes altas y lúgubres, sin ventilación. Amontonamiento de libros, discos, polvo, papeles, trajes. Un salón más largo que ancho forrado de estantes de piso a pared y una góndola en el medio que todo lo divide por dos. Entre el caos hay recortes periodísticos desde 1928 hasta 2002. Encuadernados suman varios metros de lomos azules. También hay contratos de artistas. Está el de Maria Callas, de 1949.

—Uno puede criticar el modelo de teatro que nació para una elite. Pero, si pensamos, no era de los elitistas que hacían Puccini. El teatro estaba haciendo obras de contemporáneos. Acá vino a dirigir Ottorino Respighi sus obras, como también Igor Stravinsky. El problema hoy es que no sabemos qué modelo de teatro queremos. Sólo “hay que modernizar”.

A pesar de que pasaron algunos meses desde la última vez que hablamos, ella sigue pensando en voz alta. Dos asistentes la ayudan a inventariar.

—Me duele mucho el momento por el que está pasando el Teatro. Creo que el que era murió. Yo quería hacer una biblioteca multimedia, con un plasma donde hubiera un espacio de visualización, conferencias. Me voy a jubilar siendo una transportadora de colecciones a mano.

—¿Cuál fue su día más feliz aquí?

—Yo no soy de admirar mucho a nadie. No soy fan de nadie. Será que me crié acá adentro conviviendo con superartistas a los que les conocí su parte humana. Su parte de gente común con hijos, con problemas, como los de cualquiera. Nureyev, por ejemplo. Impuso la admiración por el bailarín hombre. ¡Tenía un magnetismo! Uno de los días más lindos fue cuando lo vi ahí entre bambalinas gritando en ruso. Ese Cascanueces salió perfecto. Tenía 14 años, estaba sentada en la escalera, mirándolo. Yo creo que he sido… soy feliz acá. Yo realmente soy feliz acá. El Teatro Colón me dio una visión del mundo, porque es un mundo en sí mismo. Con todas sus miserias, con el divo que se la cree, con el mayordomo que apaga la luz cuando todos se fueron. Pero lo que siempre me pareció mágico es que, justamente, toda esa gente que tenía una vida común se abría el telón y hacía magia. Había una historia, otra vida, eran otros por un rato. Por eso me duele tanto.

Wallpaper City: Guías de Lujo.

2010-10-08T19:13:00.000-04:00

Existen varios tipos de viajeros. Hay quienes prefieren llegar a su destino sin ninguna información y dejar que el azar los guíe. Otros lo hacen con la idea de visitar los lugares más populares acompañados de las muchedumbres. Y, finalmente, están los viajeros que quieren experiencias diferentes.

Para estos últimos, la colección Wallpaper City Guide es un magnífico recurso. Se trata de una serie de guías turísticas de las ciudades más importantes del planeta. Lo que las distingue, en principio, es su diseño: parecen libretas de viaje con portadas monocromáticas —a cada ciudad le corresponde un color— y varias páginas para tomar notas. Pero lo que las hace realmente diferentes es su espíritu. No son las típicas guías que sugieren visitar los lugares más obvios de cada ciudad. Al contrario: su idea es recomendar actividades y destinos sofisticados.

Estas guías nacieron para celebrar los 10 años de nacimiento de la popular revista británica Wallpaper. Los propietarios de la publicación se aliaron con la prestigiosa editorial Phaidon —especializada en libros de arte, arquitectura y diseño de gran formato— para hacer sólo 20 títulos. La idea era que las recomendaciones vinieran de los periodistas y colaboradores de la revista: especialistas en el lujo y el buen gusto.

El éxito fue tal que la colección fue creciendo y hoy tiene 60 títulos. Ninguno de ellos tiene más de120 páginas: las primeras cien son de contenido y el resto son hojas en blanco para que los viajeros tomen notas. Están divididas en secciones que orientan al viajero sobre los mejores lugares, rigurosamente seleccionados, para disfrutar del diseño, el arte y la arquitectura, así como para dormir, comer, tomar algo, ir de compras, hacer ejercicio y descansar. Cada sección cuenta con las recomendaciones de un residente en la ciudad, donde se incluyen sus lugares favoritos y otros datos de interés. También tienen mapas y fotografías aéreas para orientarse, así como una pequeña agenda para apuntar descubrimientos personales y sugerencias.

Ahora las Wallpaper City Guide serán editadas en castellano. Las primeras 20 ciudades que aparecerán son: Amsterdam, Barcelona, Berlín, Bilbao, Buenos Aires, Estambul, La Habana, Lisboa, Londres, Madrid, Marruecos, México, Nueva York, París, Praga, Río de Janeiro, Roma, Shanghai, Tokio y Valencia.

Premio Nobel: Un Hombre llamado Raquel

2010-10-08T19:08:00.000-04:00

Dos amigos limeños, miraflorinos para más señas —Miraflores es un tradicional y residencial barrio de Lima—, se reencuentran en Londres tras 35 años sin verse. La cita no tendría mucho de extraordinaria si no fuera porque uno de ellos, Pirulo, se presenta ante Chispas, su viejo camarada, vestido de dama con cierto aire coqueto, convertido completamente en una mujer. Y hasta con el nombre Raquel.

Chispas al comienzo se desconcierta, pero los pliegues del argumento de Al pie del Támesis poco a poco se van abriendo hasta que ambos amigos aterrizan en una larga conversación, entre divertida y angustiosa, que se envuelve en temas como los recuerdos de la infancia o la confusa identidad sexual de Pirulo.

“Supe que este encuentro —dice Mario Vargas Llosa de su nueva obra de teatro— y la perspectiva que dan la distancia en el espacio y el tiempo les iban a permitir una conversación muy sui géneris en la que iban a ir apareciendo fantasmas”. Uno de esos fantasmas es un incidente de matices homosexuales que involucra a Pirulo y Chispas, ocurrido en la adolescencia felizmente compartida de ambos. Gravita en toda la historia, produce risa en numerosos momentos, pero también evidencia la fuerza de los prejuicios.

La obra, dice el autor, “expresa bastante un mundo de inhibiciones, de represiones, de miedos en torno al sexo, que nosotros vivimos de una manera generacional”. Hoy en día, agrega, los prejuicios no han desaparecido. Pero, “por lo menos el conocimiento, la posibilidad de que eso se ventile públicamente, es muchísimo mayor”.

Tan mayor que el personaje real que inspiró esta historia en efecto se convirtió en mujer y luchó por sus derechos. Era el poeta venezolano Esdras Parra, ya difunto, de cuya transformación sexual Vargas Llosa supo por su amigo, el escritor cubano Guillermo Cabrera Infante. Él mismo también lo había conocido, pero no había vuelto a saber de él por muchos años, hasta que “Guillermo me contó que lo había llamado y que luego descubrió que se había convertido en mujer. Se había operado, había cambiado de atuendo, de personalidad, no de nombre”.

Lo curioso es que el autor de tantas y tantas obras —dieciocho libros de narrativa, entre cuentos y novelas; diecisiete ensayos y una autobiografía; ocho piezas de teatro— confiesa que éste es uno de los textos que más veces ha reescrito.

“Yo creo que con Los cachorros, que es un relato que escribí cuando era joven, Al pie del Támesis es la obra que más veces he rehecho, reescrito, porque nunca quedaba satisfecho, me parecía que había desaprovechado un tema muy rico en posibilidades”, dice.

El estreno mundial fue en el Teatro Británico de Lima el 29 de marzo y, en efecto, generó diversas posibilidades interpretativas. Algunos críticos han dicho que el tema principal es el sexo, otros que faltó explotar más a los personajes. Uno de ellos, Alonso Alegría —hijo de Ciro Alegría, un famoso escritor peruano—, dijo que la obra era interesante, pero que “renunciaba a explorar los misteriosos vericuetos de nuestra sexualidad” para acabar mostrándonos “las fantasías de un homosexual cincuentón”.

Quizá sea el desenlace inesperado de la obra —un giro final que crea cierta incertidumbre en el espectador— el que induce esas reflexiones insatisfechas.

Para los próximos meses, sin fecha fija aún, Vargas Llosa prepara una adaptación de Las mil y una noches en la que participaría la actriz española Aitana Sánchez Gijón.

Y para más adelante, navegando en esta plenitud de su madurez, una novela sobre Roger Casement, un diplomático inglés que se enfrentó al rey Leopoldo II de Bélgica por sus abusos en el Congo.

Vargas Llosa sigue siendo un escritor prolífico, que no deja de sorprendernos. A sus 72 años, está en plenas facultades creativas, según él mismo asegura: “Yo voy a seguir trabajando hasta el final”.

Develando San Miguel...para Mexicanos

2010-10-08T19:00:00.002-04:00

Michael Parker-Stainback

La entrada a San Miguel de Allende no es lo que era en los viejos tiempos. Para alcanzar las cimas que rodean la ciudad, los recién llegados, como este reportero, tienen que pasar por un Liverpool y una Comercial Mexicana y otros sitios de consumo que la comunidad de expatriados de San Miguel desprecia. Pero entonces ves San Miguel desde lejos, con su impresionante belleza. La Catedral baja y neogótica, justo en el centro de lo que podría ser el poblado de una fortaleza medieval. Las colinas verde salvia, salpicadas de techos de teja, el vastísimo azul del cielo, las nubes como versiones Technicolor de una imagen de Gabriel Figueroa. En el pueblo, uno se maravilla de sus pintorescas calles realzadas por la arquitectura colonial en tonos ocre, óxido y amarillo mostaza, que cautivan y transmiten una sensación de armonía perpetua. No existen los graffiti; el jardín de la Plaza de Armas se conserva impecable; no hay basura en las calles.

Abundan los restaurantes y las tiendas con estilo, la venta de joyería, obras de arte y artesanías caras.
Y entonces los ves a ellos: los gringos.* ¿De verdad puede ser que haya tantos? La gente dice que la población de San Miguel nacida en el extranjero sólo es 15%, pero la presencia de los estadounidenses es inevitable, ciertamente contrastante y a menudo abrumadora. Me recuerda a gente que he conocido de Texas. Cientos de ellos llenan las calles del pueblo y deambulan en las plazas, muchos con bermudas y cangureras, hablando a gritos, tal como se esperaría. Rara vez se molestan en decir un rápido “buenos días” en español antes de volver al inglés. Pero es lógico: los menús vienen primero en inglés, aunque deben pedirse en español; las mejores librerías son de libros en inglés, y es inglés lo que se escucha —casi universalmente— en los restaurantes finos y en las mejores fiestas.
Desde mi perspectiva de gringo radicado en la ciudad de México, todo es muy extraño. ¿Qué es este México? ¿Quiénes son estas personas? ¿Soy desconfiado? ¿Hostil? ¿Celoso? ¿Qué le han hecho al San Miguel —al México— del que yo vine a apropiarme?
Probablemente sea lo más cerca que he estado de entrevistar a una celebridad: unos tragos con Dotty Vidargas, una de las primeras estadounidenses que llegaron a San Miguel, justo después de la Segunda Guerra Mundial. Es posible que esta mujer haya creado todos los San Migueles que vinieron después. Luego de servir en el ejército de Estados Unidos, vino a estudiar Arte con la GI Bill, una beca universitaria para veteranos patrocinada por el gobierno. No mucho tiempo después, se casó con el mexicano José Vidargas, un funcionario municipal, y juntos comenzaron una serie de negocios, entre ellos la primera oficina de bienes raíces de la ciudad y Casas Coloniales, que sigue siendo la galería de antigüedades y decoración más prestigiosa de San Miguel. En medio de tanto trabajo hubo muchos paseos a caballo, cuatro hijos y hasta una temporada como picadora en las plazas de toros locales. Vidargas y su equipo decoraron la Casa Hyder —supuestamente la más majestuosa de la ciudad— y docenas de otras residencias prominentes; el estilo “San Miguel”, que ella creó, sigue siendo el preferido en muchas de las “mejores” casas de la ciudad. Es una leyenda en San Miguel.
Dotty me llevó a una lujosa terraza con vista a unos amplios jardines, parte de una casa que ha ocupado desde los años cincuenta en el Centro Histórico de la ciudad. Nos acompañaba su hijo, Ricardo, un fotógrafo que trabajó por años en Nueva York. “Ahora es imposible ver lo alejado que estaba San Miguel cuando yo llegué —dijo Dotty—. Se hacían ocho horas a la ciudad de México y la población era de tres o cuatro mil habitantes, con unos 150 estadounidenses. Había tres taxis, y uno de ellos ni siquiera podía subir la colina. Cocinábamos con carbón, y nadie tenía teléfono —cuando necesitabas enviar un mensaje algunos muchachos llevaban las notas”.

Dotty tiene ochenta y tantos pero todavía es una mujer de mundo. Me dio un recorrido por la historia de los extranjeros en San Miguel, comenzando por Stirling Dickinson, un artista y escritor de Chicago que se enamoró del pueblo por primera vez en 1937 y se volvió director de su Escuela Univesitaria de Bellas Artes. Dotty estudió con Dickinson y recordó el día en que presenció su arresto por oficiales mexicanos, determinados a expulsarlo por comunista (una acusación de la que fue exonerado).
Poco después de la guerra, la revista Life presentó un reportaje sobre la espléndida belleza, la vida económica y la creciente colonia de artistas de San Miguel, formada por estadounidenses que estudiaban en Bellas Artes, con la beca GI Bill, como Dotty. Además de las artes, el artículo hacía énfasis en lo mucho que estos estadounidenses se divertían mientras estudiaban. Las solicitudes de inscripción se dispararon en los años siguientes.
Desde entonces ha habido oleadas. La terminación de la Casa Hyder marcó el comienzo de la extravagancia siempre en aumento de la ciudad en cuanto a reparaciones domésticas, e inició el primero de los innumerables auges de vivienda, así como la fastidiosa (al menos para algunos) afluencia de texanos ricos. El primer club de golf y equitación se estableció en 1971. “Ésos fueron grandes tiempos”, dijo Vidargas. Me mostró fotos de tardes manchadas de sol, y familias —en su mayoría rubias— vestidas al estilo vacacional de los años setenta, disfrutando de la buena vida en patios coloniales y seductoras fiestas.

Dotty conoce a todos en el pueblo y fue cautelosa cuando criticó a San Miguel. Cuando le pregunté cosas específicas, habló de los despiadados chismes (también contó algunos) de tal o cual político corrupto y se lamentó de que las principales familias mexicanas de San Miguel sean, en general, mucho menos generosas cuando se trata de hacer donaciones a las famosas beneficencias de la ciudad. Pero, a pesar de todo, su actitud es optimista. “Los tiempos siempre cambian”, dijo, más con mente abierta que con pesar.
Sin embargo, un miguelense sabe cuando su San Miguel ha sido alterado. “Comenzaron a pasar cosas negativas a finales de los noventa —dijo—, y el desarrollo explosivo provocó que se pavimentaran calles empedradas, demasiadas demoliciones de demasiadas estructuras históricas y tráfico”. Dotty lamentó que varios alcaldes se hayan hecho de la vista gorda mientras seguían creciendo los desarrollos inmobiliarios de varios pisos.
La nueva torre del Rosewood Hotel, literalmente al lado del jardín de Vidargas, es la personificación de lo que está pasando y es motivo de pelea para Ricardo, el hijo de Dotty. El proyecto, dijo, de 20 metros de altura, con 60 habitaciones y 120 unidades en condomino dentro de sus terrenos, necesariamente cambiará la atmósfera del centro de San Miguel. “¿Para qué lo necesitamos?”, imploró Ricardo exaltado. Desde que regresó a San Miguel de Nueva York, se ha convertido en la cara pública de la conservación histórica de la ciudad. Esto causa conflictos de interés con otros residentes destacados, algunos de los cuales han sido clientes del negocio de bienes raíces de los Vidargas, como Spook y Jamie Stream, quienes han ayudado a cambiar y continúan cambiando San Miguel. “Pueblo chico, infierno grande”, dijo Ricardo, refiriéndose a la política y las alianzas de las ciudades pequeñas.

Dotty y Ricardo me llevaron a conocer a Spook y Jamie (y a su perro papillón, que se llama —¿por qué no?— Frida). Ellos tienen residencias en Nueva York y Tennessee además de su casa en San Miguel, la cual es considerada por todos como una de las más espectaculares de la ciudad. Tiene una larga historia que podría verse como una metáfora del San Miguel posgringo: alguna vez fue una propiedad modesta, perteneciente a una familia mexicana, en una parte de la ciudad que difícilmente se consideraba fina, fue adquirida en los años setenta por un importante doctor local y sufrió su primera restauración que la envolvió en el esplendor colonial, cortesía de Casas Coloniales de Dotty.
Cuando los Stream la ocuparon, el componente tradicional de la casa desa-
pareció, salvo por algunos magníficos muebles y obras de arte coloniales. La casa fue desmantelada por dentro para crear un sitio que les sirve a los Stream de galería para su vasta colección de arte contemporáneo y como residencia. Pero en la misma calle donde está la casa se puede ver un vecindario venido a menos —hogar de varias familias de clase trabajadora— y necesitado de una pintada y nuevos cristales en las ventanas.
“Casi lloro el día que los Stream se deshicieron de todos los elementos coloniales —confesó Dotty—, pero la casa es increíble”. De verdad lo es: detrás de un austero muro exterior, se encuentra la serie de extensos pabellones que conforman la sala, los comedores y otras áreas de entretenimiento, el gimnasio y las habitaciones, dramáticamente amueblados debajo de altísimos techos. El lugar está lleno de objetos hermosos, pero da la sensación de ser un espacio amplio parecido a un museo, que crea una especie de minimalismo de San Miguel. Los empleados con uniforme aparecían y desaparecían justo cuando se les requería (no pude descubrir cómo sabían cuando se les necesitaba). Más que nada, está el arte, una mezcla de “nombres-marca” internacionales, como Vic Muniz, así como asombrosas expresiones de artistas mexicanos como Javier Marín y Julio Galán. Ah, y no hay que olvidar el Diego Rivera sobre la mesa del comedor.
Luego de una breve pausa para asimilar el esplendor, aparecieron Jamie y Spook. Él es un tipo afable, alto y en buena forma, con la cabeza un poco greñuda, de pelo color arena; Jamie es pequeña y bonita, vestida de manera muy casual, como si fuera al gimnasio. Sólo más tarde logré ver sus ojos: la mayor parte del tiempo que pasamos juntos llevaba gafas deportivas tipo aviador con lentes de espejo.
“Realmente no sé cómo llegamos aquí”, bromeó Spook, y procedió a explicar que tuvieron que renunciar a una casa en Guatemala por razones de seguridad y escapar del calor de Nashville, hasta que vieron San Miguel como un buen lugar para seguir en contacto con el arte latinoamericano.
Aunque sólo viven por temporadas, están completamente dedicados a “llevar a San Miguel al siguiente nivel”. Como lo plantea Jamie, esto significa una combinación entre regresar a las raíces artísticas de la ciudad y al mismo tiempo emprender desarrollos para crear servicios destinados a los más exigentes de entre los visitantes exclusivos.
“Mi meta es regresar el arte, y no el turismo, al centro de la vida de San Miguel”, dijo Jamie. Continuó con pesar: “Una familia estadounidense que conozco prefirió no venir este año porque el arte simplemente no es lo que solía ser”. ¿Y cómo se vería su San Miguel? “Vamos a conservar lo que amamos de San Miguel, pero mejorándolo. Tenemos que crear un buen aroma, dijo. Algo parecido a la emoción visceral que se experimenta en una panadería o en el mostrador de perfumes: una sensación de placer y gratificación general. Jamie piensa que San Miguel está dormido en sus laureles, viviendo de un esplendor pasado. “No hay un hotel aceptable para los visitantes más sofisticados… esa gente se está yendo a Cabo por los restaurantes, no aquí”.
Los Stream cumplirán su visión. Tras adquirir la propiedad del viejo Hotel Jacarandas en el centro del pueblo, actualmente están construyendo el Hotel Matilda. “Éste es un hotel para una nueva clase de visitantes —dijo Spook—. Nuestro objetivo son los jóvenes de la ciudad de México y gente sofisticada de todo el mundo, interesados en el arte y los viajes, que busca una experiencia sexy de clase mundial en San Miguel”. El Matilda, que se inaugurará en noviembre, será un hotel de “diseño”, construido y decorado con mucho estilo y destinado a convertirse en el nuevo acontecimiento de San Miguel. También alojará deslumbrantes obras de arte de creadores contemporáneos como Bosco Sodi (a quien se le comisionó una obra especial) y Spencer Tunick, así como un retrato de la madre de Spook, que comparte el nombre con el hotel, representada como una Diana Cazadora moderna. La abuela de Spook contrató a Diego Rivera para que la pintara en 1942.

Para otros, San Miguel está llegando al apogeo, aunque con un poco menos de estilo. Después de una extraña negociación telefónica —ella parecía estar dilucidando si yo era un cortés secuestrador de habla inglesa o sólo un tipo fastidioso—, la promotora inmobiliaria Nancy Howze me invitó a visitar su oficina junto a la subdivisión que está vendiendo a las orillas del pueblo. Hoy es una anfitriona abierta y parlanchina con una impresionante melena rubia. Su corte de pelo es glamuroso y parece caro; un conocido dijo que era texana. Resulta que es de Alabama. Quizá porque Ricardo Vidargas no estaba presente, hablaba de manera más enfática que Jamie acerca del futuro de la ciudad. Es evidente que ama a San Miguel, pero su San Miguel incluye más casas. Y hoteles. Y tal vez hasta un centro de convenciones. Contradecía el estereotipo de que una vez que llegas a San Miguel no quieres que el pueblo cambie.
“Nos guste o no, San Miguel va a cambiar”, dijo Nancy, sin disculpas. “¿No es mejor para nosotros intentar guiar el cambio en la dirección que nos gustaría?”. La idea es que desarrolladores como ella y Spook, entre otros, vivan en San Miguel, lo entiendan y se interesen en desarrollarlo de la manera más positiva. Como todos los extranjeros que conocí —veterano, hippie sofisticado o inversionista ambicioso—, Howze cree que su San Miguel de Allende es el más lindo. Me sorprendió que a ninguno de los mexicanos de clase media o trabajadora con los que hablé les importara detener al pueblo en el tiempo, soñar con lo que podría ser o preocuparse por quién lo va a arruinar.

Después de todos estos grandiosos planes y alentadoras ambiciones, me di a la búsqueda de otro San Miguel, para conocer a la gente que trae la comida, cuida los jardines y limpia al final de las fiestas. Los que se emborrachan con tequila barato en vez de cosechas costosas. Entré a El Gato Negro, una cantina maloliente y lúgubre cerca del mercado del pueblo. A una amiga —que no es ajena a las cantinas— le habían asombrado mis intenciones: “Oooh, El Gato Negro… Nunca tuve el valor para entrar ahí”, dijo. Como esperaba, la barra estaba gobernada por un par de lugareños duros, pero incluso aquí la clientela —que parecía haber tomado demasiado sol y fumado demasiados cigarros— hablaba inglés, contando historias obscenas de sus tiempos como camioneros. Cuando me acerqué, alegaron no hablar inglés, una afirmación expresada en un español con un acento gringo increíblemente marcado. Me estaba entrometiendo en su San Miguel. Yo también era un texano. ¡Las herencias!”, resuena al unísono cuando me encontré con cuatro jóvenes miguelenses a quienes les pregunté qué es lo mejor de que haya tantos gringos en el pueblo. Todos, ricos o pobres, hablaban sobre lo común que es que los expatriados dejen parte, o la totalidad, de su patrimonio a las sirvientas, los jardineros y otros empleados. Es la lotería local, con mucho mejores probabilidades; una exclusiva de San Miguel, pues nadie espera que los patrones mexicanos recompensen a sus empleados de esa manera. Como a los chicos no les gustó el restaurante mexicano que sugerí, fuimos por hamburguesas. Mayela y Diana son hermanas, dos de diez hermanos que comenzaron su vida en un rancho marginado en las afueras de la ciudad. Ahora trabajan en tiendas e incluso ayudan a un comerciante local a administrar un negocio complejo. El novio de Carolina es un programador de computadoras estadounidense y Alejandro tiene una tienda de ropa en una parte del pueblo que los visitantes no suelen ver. Todos han trabajado para extranjeros y mexicanos.
¿Qué es lo malo de tener tantos gringos en un pueblo? Una queja general es que los precios son tan altos como en el DF, quizá más. Diana dijo: “Todo está acondicionado para ellos. Ya no tenemos bolillos; sólo tenemos el pan que comen ellos. Y ahora las salsas no pican”. No es el fin del mundo, parecían decir, pero ¿tiene que ser así?
“Están tan metidos en su rollo —añadió Alejandro— que no se dan cuenta de cómo vivimos aquí”. Existe la sensación de que muchos gringos elegirían otros lugares con climas similares si San Miguel no fuera tan accesible —para los extranjeros—. Les pregunté sobre el español rudimentario de los gringos miguelenses, una perpetua fuente de burla para nosotros los expatriados que vivimos en el DF. “Es cierto que no tienen ningún interés en aprender el español”, dijo Mayela, con mucha franqueza.
Dicho esto, las quejas fueron pocas. Lo positivo era lo más sorprendente. Naturalmente, hablaron de las oportunidades económicas que ofrece una ciudad próspera, pero también de cómo, junto con los extranjeros, llegó una actitud menos provinciana. Les da sofisticación cuando van a León o, Dios lo prohíba, a Dolores Hidalgo, cuya rusticidad desprecian. Tomando a sus jefes como modelo, ya no les da miedo entrar a tiendas y restaurantes, incluso en la ciudad de México. “Vivir aquí te abre la mente a otras perspectivas y a otras posibilidades”, dijo Alejandro.
También admiraban la ecuanimidad y generosidad que no atribuyen a los patrones mexicanos. “Ay —se quejó Carolina—, si trabajas con mexicanos ¡te pagan una miseria!”. Los gringos, dijeron, lavan los platos cuando la sirvienta no está, en vez de dejar que los trastes se junten; y tratan al servicio con más respeto. Los expatriados de San Miguel son menos estirados que los mexicanos, en especial los arrogantes defeños. “Hasta veo gringos en los microbuses”, se maravillaba Diana. Nos interrumpió un celular. Era el patrón gringo de las chicas, furioso porque nos tardamos demasiado en la comida y el trabajo se estaba acumulando.

Era hora de conocer a los artistas, los espíritus libres y los de la nueva era. LifePath, que se autodescribe como el “Centro de Bienestar y Crecimiento Personal” de San Miguel debe ser la zona cero. No tenía nada de la rigidez gringa. Como institución para los alternativos de la ciudad, ofrecía de todo, desde sencillas clases de estiramiento y orientación tradicional hasta hipnoterapia, interpretación de los sueños, escritura de recuerdos y eneagramas, descritos como una “herramienta ancestral para tipificar la personalidad” que “puede acelerar tu proceso de autorrecuperación”.
Los cínicos dirían que es perfecto para una ciudad donde todos son artistas. Pero no encontré un solo cínico cuando asistí a la concurrida fiesta de inauguración de la nueva sede del centro: una venerable vieja casa dúplex, impecablemente restaurada. Mientras inspeccionaba unos canapés vegetarianos de apariencia escatológica, conocí a Den Nelson, un hipnoterapeuta y veterano con 19 años en San Miguel. Bromeaba diciendo que San Miguel es “el asilo al aire libre más grande del mundo”, y luego elaboró sobre las razones por las que la ciudad es tan especial. San Miguel es un portal a la energía de la diosa Madre Tierra; el velo entre nosotros y otras dimensiones es muy delgado aquí; los sueños de los residentes de la ciudad son más vívidos que en otros sitios. Presa fácil de la burla, lo sé. Pero su amor por San Miguel es tan genuino que podría conmover a cualquier reportero escéptico. Su comentario final fue más realista. “¡Piénsalo! —se entusiasmó— ¿Cuánta gente viene de visita y tres días después compra una casa?”.
Aun más realista, aunque todavía etérea, fue Patrice, residente desde hace ocho años, proveniente de Berkeley, California. Es la dueña de Abrazos —su boutique en la calle Zacateros— y una exitosa diseñadora de ropa y accesorios. Sus creaciones son un derroche de calaveras, imágenes de tatuajes mexicanos, vírgenes de Guadalupe, chicas de calendario mexicano y —por supuesto— Frida Kahlo a la n potencia. Me llevó a una comida en la casa de Sheridan, una artista y escritora de cabello cobrizo, antes casada con el pintor español Carlos Sansegundo. Entre los invitados se encontraban habitantes distinguidos como Masako Takahashi, artista y experta en textiles mexicanos, y la pareja de artistas Richard Schultz y Anado McLauchlin, conocidos por los niños del pueblo como “los Santa Closes” por sus largas barbas blancas. Sus vestimentas típicas mezclaban estampados florales, rayas y lunares, en unos siete colores, todos al mismo tiempo.
Aunque había dejado atrás la zona de los maravillosamente ricos, la casa de un expatriado de “clase media” en San Miguel en realidad no es menos espectacular, pero por diferentes motivos. Como los ciudadanos destacados de cualquier parte, los dueños organizan recorridos por la casa, suelen tener invitados y compiten por el reconocimiento de la comunidad. La casa donde fue la comida, como las de casi todos los demás que pertenecen a este grupo, estaba decorada de una manera en la que pocos mexicanos de la misma clase social lo harían. En San Miguel, todo es mexicano —o mejor aún, “mexicano”—, con base en lo que estos expatriados aman de México: colores chíngame-la-retina; telas indígenas, muebles rústicos (pintados alegremente), cocinas y baños de talavera; además de artesanías… casi de manera exclusiva, casi en cualquier parte. Aquí, buen gusto significa montones de alebrijes, rebozos, ofrendas y santos. Nada minimalista, ostentoso o refinado serviría. Eso es para fresas… o texanos. Sin embargo, siempre habrá una imagen de Frida Kahlo en alguna parte, ya sea un retrato completo o sólo un imán para el refrigerador.
En su mayoría artistas, escritores o académicos, los invitados de Sheridan nunca han llevado vidas convencionales, ni en Estados Unidos ni en otra parte. Casi todos comentaban que vinieron a “reinventarse”, a obtener una vida más auténtica. Había un orgullo que rayaba en la arrogancia con respecto a las obras de caridad que llevan a cabo las organizaciones comunitarias locales, pero los resultados positivos eran evidentes: para la mayoría de la gente, San Miguel es un mejor lugar para vivir que otras ciudades de su tamaño. Otros tenían opiniones más personales: “Me gusta la anarquía”, dijo Sheridan, agradecida, para describir la filosofía relajada de vive y deja vivir de San Miguel. “Eso ya lo perdimos en Estados Unidos”.
Con otra copa de vino y, en el caso de algunos, una refinada fumada a un toque, la fiesta se tornó escandalosa y obstinada. “Este pueblo tiene más generales que soldados”, dijo Ray, escritor y comensal londinense. Conforme las lenguas se soltaban, obviamente no faltaron los chismes: la leyenda de la prestigiosa dama estadounidense que fue expulsada del club de jardinería por llevar brownies de mota a una charla sobre hierbas (después fue readmitida), o la historia de Clifford Irving, un antiguo residente que cobró fama por su falsa biografía de Howard Hughes. Dijeron que al artista canadiense Leonard Brooks, otra celebridad miguelense, todavía le gusta invitar chicas bonitas a su casa, a sus 96 años de edad.
Pero más allá del parloteo y las críticas, había cierta consideración entre este grupo a la vida en México, algo que no siempre vi entre los ultrarricos. Cuando les pregunté qué lecciones habían aprendido de México, dos matronas adineradas me voltearon a ver confundidas y mascullaron elogios sobre el clima. En cambio, a los alternativos de la fiesta no les faltaron palabras para expresar las alegrías de la vida en México, a pesar de sus dolores de cabeza. “Simplemente somos más felices aquí”, apuntaron Saul y Linda, jubilados del norte del estado de Nueva York, y líderes de la organización de vivienda de Casa Linda. Les pregunté por qué: ¿realmente puede hacerte feliz el lugar donde vives? Patrice piensa que San Miguel atrae personas brillantes, interesantes y creativas, que sacan más de la vida y por lo tanto están más satisfechas. “Si tienes suficientes personas así a tu alrededor —añadió—, la felicidad se vuelve contagiosa”. Linda dijo que quizá la mejor parte de la vida en San Miguel sea una versión mejorada de la vida en sus lugares de origen. “Claro que teníamos amigos y veíamos gente en Estados Unidos, pero en San Miguel socializamos mucho más: simplemente es más fácil aquí. San Miguel atrae a gente con la misma forma de pensar. Es decir —aclaró—, a excepción de los texanos”.

En un pueblo al que uno de los invitados de Sheridan llamó “club de yates para hippies”, y donde los hábitos y el poder adquisitivo de casi cualquier extranjero podrían considerarse una afrenta para los mexicanos pobres, había que apiadarse de los incultos “texanos”. Esta clase, vagamente definida pero fácil de identificar, parecía cargar con la culpa que todos los demás gringos en San Miguel sienten acerca de su estatus como invasores culturales, agentes de la gentrificación o nerviosos amos de la servidumbre.
La gente de Texas ha favorecido a San Miguel por más de cincuenta años y comenzó a llegar después de que Martha y Elton Hyder, una pareja de ricos petroleros de Fort Worth, construyeran su espléndida Casa Hyder en 1959. En las calles se veían placas de Texas y noté algunas residencias “llamativas” propiedad de texanos que cumplían con el estereotipo. Desde luego, todos aseguraron conocer “algunas buenas personas de Texas”. Pero basado en la frecuencia —y la vehemencia— con la que se invocaron los pecados culturales y la falta de buen gusto de los texanos, está claro que se trataba de chivos expiatorios por default, para bien o para mal, de todo lo que salga mal en el San Miguel personal de muchos. De los malos texanos, quienesquiera que sean, se hablaba con aspereza, sin importar lo intolerante que sería el uso de una palabra como negro o mojado en conversaciones similares. Después de tres días de escuchar el desprecio por los pobres texanos, le pedí a mis compañeros de comida que los describieran. ¿Por qué son tan malos? “Son esos que llevan shorts y calcetines negros”, comentó un invitado, en shorts, pero con suficiente buen gusto para llevar sandalias. “Son muy gritones”, comentó otro, a gritos. “Son groseros en las tiendas y hacen alarde de su dinero”. La sensación es que “los texanos” ni siquiera intentan mezclarse o respetar la cultura. “Después de todo, somos invitados en este país”, dijo Linda, muy progresista. “Pero saben cómo divertirse y pasársela bien”, declaró Patrice a manera de disculpa, y nadie la contradijo… a esas alturas de la borrachera en esta amena, para nada tranquila, fiesta.

Mi última noche en la ciudad entablé una conversación más, con un sujeto al que llamaré Tad (ya no estaba tomando notas). La escena se desarrolló en una de las múltiples terrazas de San Miguel, durante la “hora feliz”, justo a tiempo para un impresionante atardecer. Un conjunto mexicano de jazz tocaba covers de clásicos no mexicanos, pero las campanas de siglos de antigüedad tañían acordes respetables. La ciudad no podría ser más hermosa.
Proveniente de Florida, Tad vino a visitar a un amigo por primera vez. Le pregunté cómo le iba. “Excelente —dijo—, me voy a mudar aquí”. Recién divorciado, en busca de trabajar menos, dijo que necesitaba reinventarse. Pensaba ir a Europa, o a una isla en el Caribe, pero ya se había decidido. Estaba buscando un buen agente de bienes raíces en San Miguel. “Sólo he estado aquí tres días, pero aquí es a donde pertenezco —dijo—. Puedo sentirlo”

El Lugar Secreto de Libros de Arquitectura

2010-10-05T20:09:00.000-04:00

En una esquina poco transitada entre el barrio de Chinatown y el Financial District de San Francisco se esconde esta joya para los amantes de la arquitectura. Estantes repletos de volúmenes que recogen movimientos, tendencias y representantes, desde conventos románicos hasta funcionalistas de principios del siglo xx. Si uno anda buscando, por ejemplo, un libro sobre el brasileño Oscar Niemeyer encontrará no uno, ni dos, sino 44 libros distintos (y en varios idiomas). Estos especialistas llevan más de 30 años importando y distribuyendo ejemplares que en muchos casos son casi de colección. Desde hace 10 años tienen también una pequeña casa editorial, bajo el mismo nombre, y obviamente, con el mismo interés sobre temas de arquitectura. Para quienes no planeen visitar la Ciudad de la Neblina pronto se tendrá la opción de pedir por correo aunque, eso sí, nada como el placer de recorrer la librería mientras todos los sonidos del mundo se van perdiendo entre los pasillos saturados de libros.

Seminario En Universidad Diego Portales

2010-10-05T13:34:00.003-04:00

Top 5 en Ciudades Ecológicas

2010-10-05T13:29:00.000-04:00

Aproximadamente la mitad de la población mundial vive en ciudades y zonas urbanas. En el próximo cuarto de siglo prácticamente todo el crecimiento de población se registrará en las zonas urbanas de los países con menos desarrollo. Las consecuencias del crecimiento urbano para el medio ambiente son considerables. Las ciudades son usuarias prolíficas de los recursos naturales y generadoras de desechos. Producen la mayoría de los gases de efecto invernadero que están causando el cambio climático mundial. También suelen degradar la calidad del agua local, agotar los acuíferos, contaminar el medio marino, la atmósfera y ocupar terrenos. El tema del Día Mundial del Medio Ambiente 2005, ‘Ciudades verdes: ¡Planear para el planeta!’, destacaba la importancia de abordar los problemas planteados. Fuente: http://www.unep.org/AnnualReport/2005/spanish/04.pdf¿Serán una realidad a futuro?

Las ciudades más ecológicas.
Las ciudades son grandes demandantes de recurso snaturales, y generan muchos desechos y gases, si no se toman medidas importantes se podría afrontar colapsos energéticos, agotamiento extremo de campos acuíferos, deterioro de la atmósfera, y menor espacio fértil para la agricultura.

Una ciudad sustentable está libre de gases contaminantes y de residuos, con sistemas energéticos, y climatización renovables. Esto resulta en una ciudad que es amigable con el medio ambiente, tratando de reducir las causas del calentamiento global.

Las 5 ciudades más ecológicas son las siguientes:

1-Portland (Estados Unidos): Es la primera ciudad que cuenta con la Liga Americana de Ciclistas, la cual cuenta con pocas emisiones de dióxido de carbono, en ella se encuentran muchos parques y zonas verdes, también utiliza energías renovables, transporte sostenible y reciclaje.

2-Friburgo (Alemania): Esta ciudad fue reconstruida después de la Segunda Guerra Mundial, teniendo en cuenta los aspectos que tienen que ver con el medio ambiente. Los visitantes pueden apreciar le distrito de Riesefeld, construidos en los años 80, o el distrito sin coches de Vauban.

3-Zermatt (Suiza): Es una pintoresca cuidad al pie del Matterhorn, es un lugar de reunión para los aficionados a la naturaleza, el esquí, el senderismo y el montañismo. La ciudad decidió no crear la infraestructura suficiente para la creciente demanda de tráfico y dejar las calles para los peatones y bicicletas.

4-Montreal (Canadá): Esta ciudad está situada a cientos de kilómetros del océano, cuenta con su propio club de surf. Los grupos ambientalistas han decidido convertirla en el referente en la lucha contra el cambio climático.

5-Austin (Estados Unidos): Se ha convertido en un líder en la lucha contra el uso de combustibles fósiles, cuanta con más de 200 parques y reservas. Además cuenta con varios sitios para desechos de reciclaje.

Mezquita en Ground Zero

2010-10-05T13:12:00.000-04:00

By ANNE BARNARD

Visitors to the upper floors of the Muslim community center planned for near ground zero would walk through lofty spaces — for art exhibitions, for contemplation and prayer, for programs on interreligious dialogue, for a 9/11 memorial — as sunlight streams through irregularly shaped windows between white crisscrossing beams.

That is the image presented in the tentative architectural renderings that the planners of the center, called Park51, have been showing at community meetings in recent weeks, and which were revealed to the wider public for the first time last week.

A sketch of the façade shows a latticework of white starlike designs, echoing patterns that can be seen in Islamic architecture and decorative tiles across the Middle East.

The design was meant to show “hints of tradition,” while the use of modern materials and glass panels would give an impression of translucence and “moving toward the future,” Sharif el-Gamal, the project’s developer, said in an interview last week.

The planners have not begun to raise the $140 million needed for construction or hired an architect.

An image of the façade has been in circulation since early this year, but last week the planners revealed renderings of how some interior spaces might look and how the center’s many amenities — including a restaurant, theater, day care center, gym and pool — might be stacked in a building of up to 15 stories.

There would also be a 9/11 memorial and a space open to people of “all faiths and of no faith” for prayer, contemplation and meditation, Mr. Gamal said.

The space for Muslims would be in the basement. Technically, it would be a prayer hall known as a musalla, because its construction would not meet rules required to sanctify a mosque.

Muslims who worship in a musalla often refer to it as a mosque or masjid. Some opponents say it is inappropriate to have a mosque near ground zero.

Breve visita al Rhin

2010-10-05T11:11:00.000-04:00

PABLO LEÓN

Berlín la moderna, Múnich la clásica, Hamburgo la rica y Colonia la gozosa. De todas las ciudades de Alemania , ninguna representa tan bien el espíritu festivo y abierto como la urbe renana. Fundada por los romanos, destrozada en la guerra, plagada de arquitectura contemporánea -con proyectos de Nouvel, Piano o Zumthor- y con el Carnaval y las Olimpiadas Gay como estandarte de su fiestorro. Seducción en la ciudad donde se inventó el perfume.
9.00 'Brunch' con Nouvel

Hogazas de mil colores y un buen café es la manera de empezar el día en Bastian's - A (Auf dem Berlich, 3-5; www.bastians-baecker.de). Aunque esta mítica panadería está en el centro, el mejor frühstück (bocado tempranero, literalmente) se encuentra en Ehrenfeld (2), con lugares como el Café Franck (www.cafe-franck.de), una institución de los desayunos con mobiliario vintage y pasteles hechos a mano.

Otra opción es Café Bauturm (www.cafe-bauturm.de), pero los domingos el brunch es obligatorio en Osman 30. Este restaurante en la Kölnturm (3) (In Mediapark, 8; www.koelnturm.de), torre proyectada en 2001 por Jean Nouvel, ofrece unas increíbles vistas de la urbe atravesada por el Rin. Desde las alturas se identifican los retazos de arquitectura medieval supervivientes de los bombardeos de 1945, que destruyeron el 80% de la ciudad; los edificios más modernos y las torres de la catedral (4) (Domkloster, 4; www.koelner-dom.de). El edificio gótico, el monumento más alto del mundo hasta 1884, cuando lo superó el obelisco de Washington , sobrevivió a la guerra porque era usado como referencia por los pilotos aliados.
11.00 Arte en el escaparate

En Colonia no se toma el vermú, se bebe kölsh. Como cada región germana, la ciudad cuenta con su propia cerveza y Tapas Madrid (5) (Steinfelder Gasse, 1) mezcla tradición cervecera con pinchos a la española. Muy cerca, la Zeughausstrasse (6) es un escaparate del arte. Se la podría denominar la calle de las galerías, concentra la mayoría de espacios expositivos de la ciudad, y curiosear sus cristaleras es como visitar un museo al aire libre. Alternando cervezas y exposiciones se puede llegar a Buchhandlung Klaus Bittner (7) (Albertusstraße, 6; www.bittner-buch.de/cms), la mejor librería de la ciudad en la que nació el Nobel de literatura Heinrich Böll.
13.00 Aquí huele a siglo XVIII

Husmear en 4711 (8) (Glockengasse, 4) es como oler el Chanel nº 5 de hace trescientos años. Esta casa fue la primera en comercializar la reconocida Agua de Colonia. Ahora suena a perfume de señorona; en el siglo XVIII la efervescente burguesía pagaba por él lo que hiciera falta. Un poco más adelante se erige el Farina Museum o Museo del Aroma (Obermarspforten, 21; www.farina1709.com; lunes a sábado, de 10.00 a 18.00; domingo, de 11.00 a 16.00; 4 euros), que debe su nombre a Johan Maria Farina, el creador, en 1709, de la mezcla aromática, y que profundiza en la historia de las esencias. Tras el glamour rococó, hay que entrar en el gusano de cristal. Ese es el mote del espectacular edificio forrado por 6.500 cristales que proyectó en 2005 Renzo Piano. Alberga el centro comercial Peek & Cloppenburg (9) (Schildergasse, 65-67; www.peek-cloppenburg.de), en una de las avenidas con más tiendas de la ciudad.
14.30 En el restaurante entienden

Si las compras agotan, SIN - J (Hohe Pforte, 9-11; www.sin-koeln.de) relaja. Cocina moderna en un restaurante de diseño y heterofriendly (que simpatiza con los heterosexuales). La ciudad más abierta de Alemania tiene una impresionante escena LGTB (les, gay, trans, bi, aunque predomina lo gay) que incluye brauereien rosas. Si las típicas cervecerías alemanas son divertidas, en clave gay son alocadas. Después del almuerzo hay que pasar rápido por Hohestrasse (11). Cuidado en este paraíso del shopping: se puede quemar la tarjeta de crédito antes de llegar al excelente Museum Ludwig (12) (Heinrich Böll Platz; www.museum-ludwig.de; martes a sábado, de 10.00 a 18.00; 9 euros). Vanguardia, picassos o pop art llenan sus salas.

Al otro lado del río está Köln Messe (13) (www.koelnmesse.de), la feria de congresos. Allí aparece Design Post (Deutz-Mülheimer Straße, 22; www.designpostkoeln.de), un showroom de diseño. Ejemplo de los aires de renovación de la arquitectura contemporánea alemana, y casi tan impresionante como los edificios que han surgido en la ribera izquierda del Rin, en el Rheinauhafen - N (www.rheinauhafen-koeln.de). La cuidada remodelación de este barrio, obra del estudio alemán BRT, está convirtiendo esta zona en la crème de la crème de Colonia. El conjunto Kranhäuser (Im Zollhafen, 24), o casas grúa, es espectacular, y el ArtHotel (Holzmarkt, 4; www.artotels.com) mezcla diseño con las pinturas de la coreana SEO.
17.00 Chocolate para 'bobos'

Para asimilar tanto estímulo arquitectónico, el sitio perfecto es el Museo del Chocolate (15) (Am Schokoladenmuseum, 1a; www.schokoladenmuseum.de; 7,5 euros). Su cafetería, con vistas al Rin, huele a decenas de variedades de cacao y, sobra decirlo, sirve el mejor chocolate de la ciudad. De vuelta al casco antiguo, parada en el Kolumba Museum - P (www.kolumba.de; Kolumbastraße, 4), el museo arzobispal ampliado en 2007 por el arquitecto Peter Zumthor. Su colección de arte occidental es interesante, y su mezcla de estilos, una antigua iglesia gótica unida al estilo refinadísimo del arquitecto suizo, impresiona.

Para encontrar los mejores atuendos hay que recorrer el barrio Chic Belga (17) (Brusseler Strasse). Un rollito algo bobo (burgués bohemio) y enclave de diseñadores locales.
20.00 El Triángulo de las Bermudas

En Bierhaus en D'r Salzgass (Salzgasse, 5-7) (18) no se andan con chiquitas. Tradición alemana, desde codillo hasta nueve variedades de schnitzel, y, cómo no, kölsh. "Una vez vine con mi madre, pidió un refresco y el camarero la invitó a abandonar el local", bromea un joven de Colonia. Si no quiere que le miren mal, no se le ocurra pedir vino; hay que apostar por la pilsner (cerveza rubia) que, como manda la tradición, los enormes camareros apuntan en el posavasos.

Para exprimir la noche el sitio es Rudolphplatz (19), corazón del denominado Triángulo de las Bermudas, la zona gay de la ciudad. Uno de los bares más divertidos es el Ex Corner (Schaafenstraße, 57), y, a la vuelta de la esquina, ambiente más sofisticado en Irons (Schaafenstrasse, 45). Para ver amanecer, la mejor discoteca es Club Diamonds (20) (Hohenzollerring, 90), para todos los públicos. Si David Hasselhof (El coche fantástico) la visitó una vez, ningún crápula puede perdérsela.

Un Orden al Caos

2010-10-05T10:55:00.001-04:00

ÁNGELA MOLINA

Los comisarios de exposiciones son una especie de narradores capaces de organizar un "relato" a partir de las obras que seleccionan. Dos libros recientes rastrean la historia y actualidad de este quehacer, entre lo creativo y el oportunismo

El artista más influyente del siglo XX -y también el primer curador avant la lettre- solía decir que existen dos clases de artistas, los que tienen tratos con la sociedad y los absolutamente independientes. Como artista de la segunda categoría, Marcel Duchamp agregaba: "Para mí, el peligro está en caer en gracia al público inmediato, a ese público primero que te arropa, te acepta y te da el éxito. Yo preferiría esperar al público que vendrá dentro de cincuenta años, o de cien años, después de muerto". Por entonces -corría el año 1953- Duchamp había montado la primera exposición internacional sobre dadaísmo en la Janis Gallery, un espacio que se había convertido en el escaparate principal de la Escuela de Nueva York. Diseñó el catálogo, que era de por sí dadá puro: una publicación de gran formato en papel de seda con textos en diversas tipografías de Arp, Lévesque y Tzara dispuestos en estrechas columnas que cruzaban la página en diagonal. Cuando las hojas llegaron a la galería, cogió una, la estrujó como una bola y pidió que se mandara así a los invitados. El día de la inauguración había una papelera de mimbre junto a la entrada de la galería llena de catálogos arrugados.

En su esfuerzo por extraer tanto del mundo, Duchamp fue un personaje siempre a contracorriente. Cuando se requería que el artista se encerrara en el estudio, se mantuvo ayudando a otros creadores, como ideólogo o como diseñador de exposiciones. Trabajó para Peggy Guggenheim, Catherine Dreier, los Arensberg y los Kiesler. Su fuerza como comisario se manifestaba en la serena persistencia de sus ideas; como artista, su fecundidad era infinita, porque representaba el corazón y la cabeza, en lugar de los privilegios de la fama. Robert Motherwell, el más culto de los expresionistas abstractos, le preguntó en una ocasión: "Siendo francés, ¿por qué prefieres Nueva York? "Porque París te devora, respondió señalando una cesta de cangrejos que se desgarraban a zarpazos. Aquí me siento a salvo".

Décadas después, el llamado mundillo del arte responde exactamente a aquella apreciación de Duchamp. Después de todo, el arte contemporáneo había aprendido de él la compleja idea de que el artista del mañana debía, al mismo tiempo, enfrentarse al dilema dialéctico de nombrar el arte de otra forma y quitarle esa cualidad a todo lo que encontrara. La evasión como método. Una gioconda con bigotes. Una merde enlatada. Y muchas cestas de cangrejos, todos buscando la fama, todos buscando la muerte. La utopía alcanzada.

La historia del arte, que en el siglo XIX llegó a ser una de las disciplinas más destacadas dentro del terreno de las ciencias sociales, presenta hoy síntomas de debilidad extrema. Si artistas como Duchamp o Man Ray desempeñaron un papel definitorio en la creación de las grandes colecciones, en su lugar la figura del "hacedor de exposiciones" o curador ha cobrado una fuerza inusitada, lo que no implica necesariamente un poder de restitución. El papel del comisario aparece incorporado a profesiones relacionadas con el arte, como directores de museo, artistas, marchantes o críticos. A diferencia de figuras pioneras como Alfred Barr y Werner Hofmann, directores fundadores de las colecciones del MOMA y del Jahrhunderts de Viena, respectivamente, o de los museólogos Franz Meyer, Arnold Rüdlinger y Willem Sandberg, los comisarios "creadores" idean una manera más dinámica de entender el arte, muy cercana a la narración. Sus antecedentes hay que buscarlos en personajes de energía infinita como Walter Hopps, que empezó como galerista en Los Ángeles antes de organizar la primera panorámica de arte pop americano en un museo y la primera institucional de Duchamp. Pontus Hultén, director fundador del Beaubourg, fue lo que hoy diríamos un comisario global y el primero que definió el museo como un espacio elástico y abierto que acoge una plétora de actividades entre sus muros. Gracias a él, Estocolmo emergió como una de las capitales de las artes.

Pensemos también en los conservadores de los museos más importantes de Centroeuropa durante los sesenta y setenta -el Stedelijk de Ámsterdam, Eindhoven, Krefeld o Mönchengladbach- que fueron conscientes de las rápidas transformaciones que experimentaba el sistema social occidental, incluida la impenitente mercantilización de nuestra vida. Como explica Peter Pakesch, director artístico de la Kunsthaus de Graz, "era un momento en que la crítica se expandió más allá de las revistas y las universidades, transformó el papel de las galerías, que llegaron a tener gran éxito en el desempeño de un papel público, sobre todo en lo tocante a la necesidad de un espacio específico para determinados proyectos. Muchos galeristas procedían de otras profesiones. Konrad Fischer comenzó siendo artista; Paul Maenz había iniciado su carrera en el campo de la publicidad. Se habían acabado los marchantes al estilo clásico; los nuevos pasaron a ser más bien intermediarios. Surgió una estructura completamente nueva".

Harald Szeemann, para muchos el profeta perdurable del comisariado, fue un archivero, montador, jefe de prensa, contable, pero, sobre todo, cómplice de artistas. Hans Ulrich Obrist, uno de los curadores más hiperactivos del momento, cree que las muestras eclécticas del comisario suizo, fallecido en 2005, "traducen una energía sin límites para la investigación y un saber enciclopédico no solo del arte contemporáneo sino también de los acontecimientos sociales e históricos que han moldeado nuestro mundo posilustrado". El trabajo de Szeemann en la Kuntshalle de Berna y su versión de 1972 de la Documenta justifican su teoría de que el trabajo del comisario consiste en "estructurar el caos". De Monte Veritá (1978), una muestra que relata las utopías visionarias de comienzos del siglo XX en Europa, el artista italiano Mario Merz dijo que "sin duda Szeemann fue capaz de visualizar en ella el desorden que nosotros, como artistas, tenemos en la cabeza. Un día somos anarquistas, otros borrachos; al siguiente, místicos".

"Después de Hultén y Szeemann, nos queda seguir el trabajo de organizar un entorno global. El museo de éxito se ha convertido en empresa, la bienal está en crisis, ¿qué acecha a la vuelta de la esquina?, se pregunta Daniel Birnbaum, comisario de la Bienal de Venecia 2009. Es posible que los nuevos comisarios respondan a la definición de la primera categoría de artistas de Duchamp, creadores que se diluyen en la corriente de la acción inmediata de los mercados manejados por coleccionistas y marchantes. En el libro Breve historia del comisariado, Obrist repasa en una serie de entrevistas los perfiles de las grandes cabezas del siglo XX, que todavía hoy iluminan como un faro el pasado reciente del arte. Un recopilatorio que dista mucho de la vulgar actualidad descrita a cuentagotas en Creamier, el periódico/libro que acaba de lanzar Phaidon, una especie de Financial Times del comisariado cuya realidad principal es difundir el velocísimo replanteamiento de la potente y ubicua generación.4 como promotores de las técnicas de entrenamiento del artista en el escenario global. Adam Szymczyk (Basel), Chus Martínez (Barcelona), Tirdad Zolghadr (Berlín), Kitty Scott (Canadá), Yukie Kamiya (Hiroshima), Inés Katzenstein (Buenos Aires), Debra Singer (Nueva York), Catherine Word (Londres), Douglas Fogle (Los Ángeles) y Elena Filipovic (Rotterdam) incluyen en sus listas de la compra un tipo de artista emergente, demasiado vitalista y metamórfico como para atenerse a un solo papel y que maneja una estética de estanterías y diplays, lejos de la esfera angélica del estudio.

Desde Vancouver hasta São Paulo, Francfort o Brno, la mayoría de los trabajos de los top cien -nacidos durante la década de los setenta- se disolverá seguramente en el fondo común de los grandes eventos artísticos, y los comisarios que los promocionan se sentirán libres de acortar el tiempo y la duración naturales de los "acontecimientos" que presentan, sacrificando una plausible carrera (del artista) en aras de una correcta puesta en escena en el decorado posindustrial de una bienal.

36 Horas en Moscú

2010-10-03T12:44:00.000-04:00

By MICHAEL SCHWIRTZ

POST-PERESTROIKA, Moscow evoked a giant college dormitory gone wild. Free from oppressive and overbearing Soviet leaders, Muscovites set upon their city with freshman-like zeal, indulging in the fruits of capitalism, hangovers be damned. But the current global slowdown, which knocked some of the sparkle out of Russia’s economic growth, also appears to have injected a bit of maturity — and perhaps even some sobriety — into a city where subtlety once seemed taboo. There is, however, plenty of debauchery left, so bring your tight leather trousers and leopard-print hot pants, if that’s your thing. But those with more refined tastes will also find a more subdued sense of chic.

Friday

4 p.m.
1) CHOCOLATE FACTORY

One of the city’s cooler new scenes was once its sweetest. On an island across from the Kremlin, the Krasny Oktyabr, a red-brick chocolate factory from the 19th century, was recently converted into a modish cultural complex with galleries, lecture halls and cafes. Top galleries include the Lumiere Brothers Center of Photography (3 Bolotnaya Naberezhnaya, building 1; 7-495-228-9878; lumiere.ru), one of the few places dedicated to the preservation and study of Soviet and Russian photography. Between shows, grab coffee or a beer and a snack at Blogistan (6 Bersenevskaya Naberezhnaya, building 3; 7-910-429-4644; blogistan.ru), a new subterranean cafe adorned with Buddhist prayer flags and local artwork and stocked with various board games.

6 p.m.
2) OLD MOSCOW

If it’s not too cold, walk across the Patriarchs Bridge, a new footbridge where newlyweds affix padlocks in a Russian marriage tradition. Offering spectacular views of the Kremlin, the bridge links the chocolate factory to the gold-domed Cathedral of Christ the Savior, which was built in the 1990s as a replica of the original demolished under Stalin. For a glimpse of pre-revolutionary Moscow, continue to Bolshaya Nikitskaya Street and stop into Kvartira 44 (22/2 Bolshaya Nikitskaya; 7-495-691-7503; kv44.ru/bolshaya-nikitskaya.html). Popular with the artistic intelligentsia, the family-owned bar and restaurant offers inexpensive drinks (and food), with beers starting at 130 rubles, about $4.30 at 30 rubles to the dollar, and shots of Stolichnaya for 80 rubles. The piano bar on the top floor turns raucous around midnight. If there’s no room, head across the street to Mayak (19/13 Bolshaya Nikitskaya; 7-495-691-7449), which is owned by the same family.

9 p.m.
3) BEETS AND CHOCOLATE

Back at the chocolate factory, Art Strelka (14 Bersenevskaya Naberezhnaya, building 5; 7-495-771-7417; strelkainstitute.com) is a new hangout where the city’s glitterati deign to mingle with the grungy bohemian crowd that pours into the bar after film viewings and art lectures given on the premises. The food is eclectic: gazpacho and cold beet-root soup, steaks and paella, and (of course) chocolate in the form of a warm, gooey brownie. Prices for food and drinks are reasonable with a dinner for two, plus wine and great cocktails costing about 4,000 rubles.

Midnight
4) GRUNGE AND GLAM

Moscow night life doesn’t really get going until well after midnight, and becomes interesting only much later. For a low-key evening, stay at Art Strelka. If it’s warm enough, bask in the lingering northern sun on the spacious roof deck. Or head downstairs where D.J.’s spin till morning. If you’re feeling flush and need more glam, stop into Rai (9 Bolotnaya Naberezhnaya; 7-495-364-0101; raiclub.ru), a glitzy club on the other side of the island. Best to wear those hot pants if you plan to get in. Pulling up in a Bentley wouldn’t hurt, either.

Saturday

10 a.m.
5) OLIGARCH ART

Luckily for artsy Muscovites, it has become fashionable for Russia’s billionaires to set up their daughters, wives, girlfriends or mistresses with galleries to keep them occupied. Garage (19A Obraztsova Street; 7-495-645-0520; garageccc.com) is one of the few devoted to modern art, and arguably the coolest. Housed in a former bus depot, it is run by Dasha Zhukova, girlfriend of the Russian oligarch Roman Abramovich, and the editor of Pop magazine, the British fashion glossy. While most galleries charge admission, ticket prices here are surprisingly proletarian at 300 rubles. Grab coffee and a snack at the gallery’s funky cafe where salads and soups are 150 to 300 rubles.

1 p.m.
6) SONG AND SKATES

When it’s warm, follow the sound of singers rehearsing at the New Opera to the Hermitage Gardens (entrance at 3 Karetny Ryad; mosgorsad.ru), a charming park with cast-iron gazebos and cafes, where locals like to lounge when not at their country houses. There are also frequent outdoor concerts. As the weather gets colder, the terraces come down and ice skating rinks go up. Try the rink on Red Square for a unique view of Russia’s most famous landmark. A session costs 150 to 300 rubles depending on time (gum.ru/katok). Warm up with a drink at the O2 Lounge (3 Tverskaya Street; 7-495-225-8888; ritzcarlton.com/moscow), a chic rooftop bar atop the Ritz-Carlton, with stunning Kremlin views.

7 p.m.
7) GEORGIAN FOOD

Despite Russia’s hostilities with Georgia two years ago, Muscovites still love Georgian food. With its assortment of cheese-filled pastries, grilled meats and spicy soups, Georgian cuisine is for Russians what Mexican food is for Americans. Try the perfectly grilled shashlik or shish kebabs at Dzhondzholi (20/1 Tverskaya Street; 7-495-650-5567), a cavernous restaurant with a large trellised veranda in summer. Or, for the cheesy pies known as khachapuri, head to aptly named Khachapuri (10 Bolshoi Gnezdnikovsky Side Street; 7-495-629-6656; hacha.ru), a relaxed cafe with a mostly Georgian staff and a white-haired piano player with a penchant for jazz standards. A full Georgian feast with wine (a must) costs about 1,500 to 3,000 rubles a person at each restaurant.

Midnight
8) FACTORY CLUBBING

A former natural gas factory, close to Kursky train station, has been transformed into the epicenter of the city’s underground club scene. In addition to housing fashion studios, music stores and galleries, the Arma factory complex (entrance at 5 Nizhny Susalny Side Street; armazavod.ru), has several cutting-edge clubs including Gazgolder (Building 1; 7-985-226-3340; gazgolder.com), Discoteque, (Building 5; 7-495-410-5452; discoteque.ru) and Arma 17 (Building 3A; 7- 495-410-0414; arma17.ru). All are big, loud and funky, with all-night thump-athons featuring European guest D.J.’s, concerts and frequent parties that cater to the city’s growing gay scene. Admission varies. Cocktails are 300 to 500 rubles.

Sunday

8 a.m.
9) HANGOVER BRUNCH

If you’re clubbing till 6 or 7 in the morning, breakfast can be something of a problem. Luckily several spots around town have been experimenting with what in this city is quite an innovation: brunch. Noor Bar (23 Tverskaya Street; 7-499-130-6030; noorbar.com) is a stylish new cafe on one of Moscow’s main drags where a tasty brunch with fresh-squeezed orange juice and coffee costs less than 1,000 rubles. Another option is Café des Artistes (5/6 Kamergersky Side Street; 7-495-692-4042; artistico.ru), which has a spacious outdoor veranda that’s great for people watching. A set brunch costs a mere 500 rubles.

2 p.m.
10) BACK IN THE U.S.S.R.

Though slowing down a bit, Moscow’s hypercapitalism can still be overwhelming. So if you’re feeling a bit nostalgic for the old centralized economy, take a trip to the All-Russia Exhibition Center (110 Prospect Mira; 7 495-544-3400; vvcentre.ru). Once called the All-Union Exhibition of the Achievements of the People’s Economy, it was built as a monument to the greatness of socialism, though now looks more like a crumbling totalitarian Disney World. Shops selling cheap electronics and beauty supplies fill many of the pavilions where the different Soviet republics once showed off their native industries. Still, with its monumental halls, the park offers a fleeting glimpse of the pomp and outsized grandeur of the U.S.S.R.

IF YOU GO

Flights to Moscow from the United States have increased in recent years, including new nonstops from New York, Atlanta and Chicago. A recent Web search found a nonstop flight on Aeroflot, the greatly improved Russian carrier, from Kennedy Airport to Moscow, starting at $604 for travel in October. From the airport, take the convenient Aeroexpress trains (aeroexpress.ru) to the city center. One-way tickets cost 300 rubles, about $10.

Moscow has some of the most expensive hotels in the world, and only a few options for frugal travelers, who might try the Godzillas Hostel (6 Bolshaya Karetnaya Street; 7-495-699-4223; godzillashostel.com). Rates start at 868 rubles for a bed in a 10-room dorm; private rooms are 2,170 rubles.

The well-situated Golden Apple Boutique Hotel (11 Malaya Dmitrovka; 7-495-980-7000; epoquehotels.com/moscow.html) is one of the few boutique hotels in Moscow. Rooms start at 10,000 rubles.

At the upper extreme is the Ritz-Carlton (3 Tverskaya Street; 7-495-225-8888; ritzcarlton.com/moscow). Just steps from the Kremlin, the former Intourist hotel has 334 luxurious rooms starting at 23,000 rubles.

Crítica sobre un Tratado de la Belleza

2010-10-03T12:37:00.000-04:00

J. ERNESTO AYALA-DIP

Después de su Trilogía del mal, Ricardo Menéndez Salmón empieza una nueva aventura literaria que tiene como escenario las artes plásticas. Una escritura mestiza, entre ficción y realidad, a través de tres historias en momentos diferentes

De la materia más doliente, de los avatares históricos más trágicos, de las huellas personales más desdichadas, Ricardo Menéndez Salmón extrajo lo más parecido a un tratado sobre la belleza. Eso me parece La luz es más antigua que el amor. O desde las sombras, un tratado sobre la luz. No es casual que hable de tratados. Porque la enseñanza en esta materia corre por estas páginas pareja a lo que se narra. Una enseñanza viva, carnal, perecedera. Nada más lejos de la desorientación, ni del desconcierto. Menéndez Salmón no nos da nada que nos confunda en su nuevo libro. Todo lo que hay en él nos conduce irremediablemente a la belleza. No a una inmaculada e inalterable. Sino, en todo caso, a un ejercicio de la belleza, en contra de lo que defendía Verlaine, permeable a lo justo, a lo verdadero, e incluso a lo útil, categorías que el poeta francés rechazaba casi con ira. Una belleza sensible. Y también intelectual, aunque la preceptiva estética clásica me desautorice. Quería antes que nada dejar claro esta cuestión en los términos expuestos. Quería que todo lo que tuviera que decir sobre la belleza en este libro no se redujera a una cuestión de bello estilo. Ni de prosa. El singular dibujo emotivo y racional de este libro exige también una interpretación distinta.

Hasta ahora en La ofensa, El derrumbe y El corrector, Menéndez Salmón procedía con una idea directriz, una metáfora o símbolo de la contemporaneidad, pero también de la incorregible condición humana. Cada novela, o cada parábola, desplegaba de manera unitaria un asunto como eje: la escritura, de una prolijidad cortante, hacía el resto. Cada novela retrataba, nos retrataba a los hombres en unas condiciones históricas y personales insoportables. Esa trilogía tenía un solo defecto (del que no era totalmente culpable su autor): hacer creer al lector que esa era sustantivamente su literatura. Que ahí quedaban acotados su talento y su inventiva. La luz es más antigua que el amor es el tipo de libro que algunos escritores necesitan o para seguir o para comenzar otra etapa o para experimentar con algo difícil, arriesgado e incierto. Me parece que La luz

... corresponde a este último segmento. Asimétrico y falto de costuras invisibles. Parecen deficiencias. Y un lector podría considerar que las tiene, toda vez que no sabe exactamente dónde termina la ficción y comienza la realidad, si es o no un ensayo sobre pintura, si la muerte de la mujer del escritor Bocanegra es la muerte de la mujer del autor del libro que leemos, si era pertinente incluir un diálogo entre un supuesto pintor ruso y Stalin en medio de una materia tan literaria como la que rezuma La luz

..., si es una biografía del pintor Mark Rothko que esconde una autobiografía. No creo que Menéndez Salmón haya jugado a la ruleta rusa con este libro. Hay demasiado cuidado en su falta de estructura. Demasiada lógica en su desorden. Incluso una sutil y sensual tensión en su aparente desapasionamiento. Y sobre todo, la necesidad de vislumbrar un rayo de belleza hasta en los lugares más negros de nuestra conciencia del mundo y de nuestra experiencia vital. La elección de un estilo casi ensayístico, impersonal, por otra parte, no disimula el afán de neutralizar cualquier atisbo de melodrama. La convivencia entre el marido (el escritor Bocanegra) y el ex marido de la mujer que está agonizando introduce un tono de comedia de enredo en medio de una inmensa tristeza. El relato sobre la vida de Rothko, sobre su suicidio y el relato con todas sus claves sobre el propio relato que leemos, la obtención del Premio Nobel por parte de Bocanegra en 2040, todo ello conforma la esencia narrativa y humana de La luz es más antigua que el amor. Una novela probablemente enemiga de la novela, que se decía de Los monederos falsos, género al que pertenece sin lugar a dudas. En esto consistía el riesgo. En maniobrar en esa indeterminación, diría programática. Es probable que haya quien la considere una novela imperfecta. Y otros, como un texto que no ofrece la más mínima fisura. Los lectores son libres de elegir. Pero su autoridad estética y el calado de los interrogantes que plantea son incuestionables.

Reloj de Praga

2010-10-02T11:58:00.002-04:00

Saco mi Moleskine, y trato infructusosamente de dibujar lo más certadamente el Reloj más notable de Europa. El día soleado, Simply Red en el iPhone y la gente con un afán de gozar cada minuto de la forma más sencilla: caminando, observando y juntándose en grupos para conversar sobre la maravilla que nos toca palpar. Sí, este aire, este ambiente se puede palpar con el alma.

Frente a mí, uno de los más admirados monumentos técnicos e históricos en la República Checa - el Reloj Astronómico de Praga cumple 600 años. Único en el mundo y un orgullo de la Casa de la Villa de la Ciudad Vieja de Praga se hizo en 1410 por encargo de los concejales de ese entonces, su autor es Mikuláš de Kadan .

Gracias a este Reloj astronómico ha sido posible desde ese entonces indicar el tiempo de diferentes maneras en una ciudad multicultural como era Praga. La puesta en marcha del Reloj Astronómico en la Praga medieval la hizo figurar entre las metrópolis como Padua, Estrasburgo y Berna. El Reloj Astronómico de Praga fue muchas veces remozado, mejorado y reparado, sin embargo, le tocaba pasar varios tiempos malos. En el siglo 18 faltaba poco para que terminara en chátarra, al final de la Segunda Guerra Mundial, cuando fue bombardeado el Ayuntamiento de la Ciudad Vieja sufrió muchos daños. A pesar de los problemas sufridos lograron reconstruirlo. El Reloj está bien conservado, incluso unas tres cuartas partes de las piezas originales están en servicio.

Lo que realmente muestra el reloj?
La base del reloj astronómico es el astrolabio, un dispositivo astronómico. Los astrólogos y los navegantes, ya en el período de la antiguedad, determinaron con este instrumento la altura de los astros, del Sol y la Luna. Asimismo sirve para indicar el tiempo local o para la navegación. El astrolabio es un gran anillo de bronce que consta de dos secciones en forma de círculos, unidas en su centro por un perno. Ajustando las posiciones de las secciones se pueden ver las posiciones de las estrellas en el firmamento. En el astrolabio se muestra a través de círculos el Trópico de Capricornio y el Trópico de Cáncer, entre ellos está el ecuador sin marcar. A lo largo del contorno del astrolabio se encuentran los signos del zodíaco.
En el perímetro exterior indican los números dorados la hora checa antigua llamada asimismo la hora italiana, el día en ese entonces comenzaba después de la puesta del sol. La hora alemana antigua o sea la hora centroeuropea la marca la manito solar. Se trata de la hora que seguimos hoy. El Reloj Astronómico de Praga la marca así a partir de su reconstrucción de post-guerra en 1948. Una característica única del Reloj de la Ciudad Vieja praguense es que marca la hora babilónica. Esta se marcaba desde el amanecer hasta la puesta del sol, por lo tanto su unidad de hora era distinta en el período de verano de la en el invierno. El Reloj Astronómico de Praga es el único del mundo que sabe marcarla.
En la parte inferior del Reloj se encuentra esfera del calendario que indica días y su posición en la semana, mes y año. Incluso las manitos del Reloj merecen nuestra atención. La en la forma de la luna indica si la luna crece o disminuye. La otra manecilla, en la forma del sol, es la parte más importante del Reloj Astronómico, porque el astrolabio se ajusta según el tiempo solar local. El Sol se encuentra en la misma rafia como la manecilla dorada señalando la hora.

Y los apóstoles
El desfile de los Apóstoles forma parte imprescindible del Reloj Astronómico de Praga. Desde las nueve de la mañana hasta las nueve de la noche, horas redondas, los apóstoles aparecen en las ventanillas del reloj astronómico sosteniendo sus atributos. Las figuras del desfile apostólico fueron tallados en madera por el artista y escultor Vojtěch Sucharda en dos oportunidades. Primero en 1912 y después al final de la Segunda Guerra Mundial, porque las anteriores se quemaron. Encima de las ventanillas donde aparecen los apóstoles se encuentra estatuilla del gallo que simboliza la vida. Su canto indica el final del desfile de los Apóstoles. A lo largo de los lados del Reloj Astronómico se puede ver cuatro figuras que pueden moverse. La figura del Vanidoso está en la parte izquierda y se puede reconocer por el espejo. Esta figurita en madera asiente con la cabeza mientras se está observando en el espejo. Otra figura - la del Ávaro- sostiene el bastón y el monedero, sacudiéndolos y moviendo su cabeza en desacuerdo. Las dos figuras fueron destruidas a fines de la Segunda Guerra Mundial y fueron sustituidas por copias fabricadas en la mitad del siglo 20. La figura de la Muerte (esqueleto) quedó intacta al incendio del Ayuntamiento Viejo, forma parte del Reloj Astronómico desde el siglo 15. La figura de la Muerte gira un reloj de arena marcando la vida humana, tocando la campanilla y asintiendo con la cabeza recuerda como una Parca el destino inevitable para todos. La figura del turco se muestra con el laúd. Simboliza el deroche y el libertinaje como depravaciones del ser humano. En el Reloj se pueden observar estatuillas del Arcángel Micael, del Filósofo, Astrónomo y Cronista.

Los hermanos más jóvenes
El Reloj Astronómico de Praga es el más antiguo y famoso en el país. Sin embargo, los amantes de la relojería astronómica pueden disfrutar observando la fachada norte del Ayuntamiento de la ciudad de Olomouc (http://www.tourism.olomouc.eu), donde está un reloj astronómico originado en el siglo 15. En el período de la Segunda Guerra Mundial sufrió muchos daños y los concejales de Olomouc decidieron sustituirlo por un nuevo hecho según la estética reinante en la segunda postguerra, es decir en el estilo del realismo socialista. En la torre del ayuntamiento en la ciudad de Litomyšl (www.litomysl.cz) puede encontrar el reloj astronómico hecho en el estilo modernista a principios del siglo XX. El reloj astronómico del Nuevo Ayuntamiento de la ciudad de Prostějov (www.mestopv.cz) es de la misma época. En el Museo de la ciudad Ostrava (www.ostrmuz.cz) hay un reloj astronómico adecuado a funcionar en una habitación. Fue construido en los años veinte por un empleado de la Empresa Siderúrgica en Vítkovice, Jan Masek. Un ejemplar de arte popular lo puede admirar en el Museo de Uherský Brod (www.mjakub.cz ), donde se expone el llamado Reloj de Nivnice, hace noventa años compuesto por el carpintero local, Josef Lukeš.

Enrique Browne, Premio Nacional de Arquitectura 2010

2010-09-30T10:43:00.000-04:00

Por Alfredo Wittig y Francisco Ortega para Revista CA

Es difícil escucharlo. Las ideas se atropellan en su cabeza y boca. Antes de hablar, planea sobre papel lo que contestará. Sin embargo, cuando llega el momento de hablar, parece que las ideas hirvieran en su cabeza y se apresuran por salir.
Así hace sus planteamientos Enrique Browne. Una y otra vez relaciona elementos de manera que, a primera vista, parece imposible asociar. A veces un poco difícil de comprender, pero cada idea que aflora es útil, válida y con una clara posición respecto al tópico.
Será porque Browne está seguro de lo que sabe, en calidad y cantidad. Más allá de los estudios que han complementado su carrera de arquitecto de la Pontificia Universidad Católica -Magíster en Planificación Urbana (1968) de la misma universidad; (con) estudios avanzados en Diseño Urbano en Estados Unidos, Inglaterra y Japón-, es un hombre culto, que conoce la ciudad a través de sus ojos y de los de quienes admira. Cita a Einstein y Le Corbusier, aunque uno de ellos no es arquitecto, quizás lo hace porque le importa demasiado qué opinan los otros profesionales que construyen la ciudad, más allá de la sola arquitectura. Browne no cree en el inmenso dominio que tendría su profesión sobre el resto de la sociedad: “el arquitecto no tiene ningún poder”, sostiene.

¿Cuánto influye realmente el arquitecto en el estado de la ciudad?

A veces, como arquitectos, nos damos cuenta de que, en verdad, no tenemos la ciudad que queremos, la que realmente pretendemos. Eso es porque hay varias otras profesiones involucradas en la creación de la ciudad.
El caso más claro es el de París, donde fue el barón Haussman, abogado de profesión y nombrado prefecto por Napoleón, quien con su llegada a la cabeza del país se encargó de darle una nueva imagen a la ciudad. De hecho, despreciaba un poco a los arquitectos, los tildó de meros decoradores de la ciudad. Y él fue capaz de “crear” una ciudad.

El plan Haussman hizo que París se convirtiera en una ciudad dual, que privilegiaba a la burguesía y segregaba al sector proletario de la población hacia la periferia, donde era reprimida por el Estado. En el fondo, esta ciudad fue remodelada pensando en un modelo económico y social ideal, funcional al sistema estatal de aquel entonces, más que pensando en una distribución urbana-arquitectónica de la población. “Así de poderoso y sin siquiera ser arquitecto. Por suerte, nosotros no tenemos tanto poder”, dice Browne entre risas.

¿Cuál es entonces el verdadero rol del arquitecto en la conformación de la ciudad?

Somos personas con un cierto conocimiento y sensibilidad en un campo de cosas más o menos acotadas, con una visión parcializada. No dominamos el resto, que tiene que ver con asuntos sociales, políticos y económicos.
Claro, tampoco otros especialistas son dueños de la ciudad. Finalmente, quienes deciden el verdadero destino de la urbe son aquellos que detentan el poder: representantes del Estado y empresarios dispuestos a invertir grandes sumas de dinero. Por todo eso, el centro de la arquitectura debería estar en las ciencias políticas y, a partir de esos conocimientos, contratar a quienes se necesite para asesorar las obras, entre ellos, por supuesto, los arquitectos, que deben hacer su labor de la mejor manera posible para este objetivo común. El poder de nuestra profesión debe estar en un justo nivel.

Si el poder del arquitecto no es tal, ¿por qué es tan fuerte el ego en la profesión?

El ego es un problema grave, es la muerte de la arquitectura. Es una especie de “sistema del estrellato”, como en el cine, cuando buscan a los actores por la relevancia en el ambiente, más que por su calidad actoral. Lo importante no es lo que la persona produce, sino la persona en sí. Comenzó en el cine, siguió con los cantantes, el arte y luego la arquitectura. Obviamente, Koolhaas trabaja en este medio del estrellato y, claro, se maneja muy bien.
El problema es que el arquitecto pasa tanto tiempo dedicado a mantener el estrellato, que no le da importancia a lo esencial: la “búsqueda paciente” que mencionaba Le Corbusier, elaborar cosas con mayor profundidad.

¿Está permitido el arte en la arquitectura?

Recuerdo haber tratado con un cliente al que sobre todo le importaba que la obra fuera muy bonita o muy fea, pero nada intermedio, que no pasara desapercibida. Ante este tipo de casos, hay que reposicionar al arquitecto al nivel que le corresponde, no asignarle el destino de la ciudad. Hay una labor que debe cumplir, que tiene que ver con los intereses de las personas y eso no se relaciona en lo absoluto con lo artístico.
Una obra de arte tiene su propia lógica, independiente de la realidad. Puedo entender que hasta una casa sea una obra de arte, pero no la ciudad, no las vidas entrelazadas. La ciudad es como la vida y ninguna vida es una obra de arte. La vivienda social, por ejemplo, no puede ser una obra de arte. La gente la transforma según sus necesidades.

Pero la arquitectura tiene, además, un sentido propio que expresar.

Claro, por un lado, la arquitectura es una profesión, pero también quiere expresar una esencia propia. Hay que aclarar que existe gente que tiene más vocación para expresarla. Hay profesionales que se dedican a lo más social, a hacer las casas por oficio: escaleras, luces, etc., que sean cómodos y funcionales para el desarrollo de la vida. Arquitectos responsables que crean sus obras a través del estudio y la investigación. Es algo muy digno para la sociedad.

¿Cómo se adquiere este trabajo “de oficio”?

Trabajando. Convirtiendo el trabajo en una investigación, que cada obra sea una especie de prueba y error para, finalmente, conseguir el mejor resultado para todos.
Los arquitectos tienen que hacer un aporte estético, después de todo, es el punto de partida de su creatividad. Hacer un aporte cultural es importante, pero implica una parte muy reducida de su labor.

DESAFIANDO A LA MISMA CIENCIA
¿Cuál parece ser el estado actual de la arquitectura?
Un problema muy frecuente en la actualidad es que se olvida la gravedad, se crean obras que muchas veces dejan de lado lo funcional de la construcción con tal de desafiar las leyes físicas.
Esto puede que parta de un problema al momento de comprender la ciencia. Por ejemplo, la relatividad que planteaba Einstein, todo el mundo la cita, pero ¿sabemos realmente lo que significa?
La ciencia se asimila de una manera tan ingenua, con tan poca profundidad, guardando sólo la imagen de la obra y eso es lo que finalmente se materializa en la arquitectura.
Los arquitectos estamos tratando de apoyarnos en materias que no conocemos. Cada uno parece inventar su propia teoría.
Esas mismas teorías particulares a veces parecen causar estragos en las construcciones, generando una ciudad cuya imagen es perecedera.
Para Browne, la arquitectura debe cambiar a medida que se modifican las condiciones, pero el espacio en sí no necesita alterarse. A su juicio, la dimensión espacial es clave en relación con cuánto dura la arquitectura. El espacio construido permanece, lo que cambia es el uso. “Los edificios pueden durar todo el tiempo que quieran, como aquellos que han tenido cuatro o cinco usos distintos, un gran ejemplo es el Campus Lo Contador de la Universidad Católica. La arquitectura no se puede convertir en algo desechable, como una escenografía que se transforma, no es esa la línea que debe tomar“.
¿Cuál es el lenguaje que debe utilizar la arquitectura para hacerla comprensible a todo el mundo?
Hay que ser capaces de crear obras que se interpreten. Que la arquitectura tenga la sensibilidad para capturar lo que está en el aire, el “espíritu del tiempo”, como le llamaban los jesuitas. La gente se apasiona y comprende recién al momento de ver las maquetas.
A comienzos del movimiento moderno, el espíritu de la época era muy claro, muy típico de la industria. Expresar el espíritu de aquellos días era mucho más fácil. Hoy es muy distinto. Hay una fascinación por una tecnología que no es tan obvia en su forma, casi abstracta. Además, existe una fuerte atracción por el medio ambiente. Ambas se pueden compatibilizar.
¿Cuál es su aporte como arquitecto a la preocupación por el medio ambiente?
Creo que hoy, los edificios son muy ineficientes. Mientras más inteligentes las construcciones, más tonta la arquitectura. Personalmente, colaboro en el asunto ambiental dependiendo de mi investigación: por ejemplo, lo de la piel vegetal, donde soy una especie de pionero (una de sus obras más reconocidas es el edificio Consorcio en Santiago).
¿De qué puede depender el uso de energías alternativas en los edificios actuales?
Influye mucho el precio del petróleo en el uso de este tipo de energías. Esa fluctuación es lo que hace que no despegue y que, al final, se opte por lo más conocido, probado y al alcance de todos.

PENSAMIENTO MULTIDISCIPLINARIO
Browne tiene claro que a las instituciones que apoyan al arquitecto durante sus estudios y después de haber egresado, como el Colegio de Arquitectos y la casa universitaria, les hacen falta ciertos elementos que perfeccionen a aquellos que se van integrando a una ciudad que pronto estará en sus manos.
¿Cuál es la relación que debe tener el arquitecto con los otros profesionales, por ejemplo, en el Colegio de Arquitectos?
Por ejemplo, creo que las ciencias políticas debiera ser la instancia que controle los trabajos urbanos. Es bueno que exista el intercambio y espero que la situación actual evolucione hacia allá. El Colegio debiera tener una instancia, un núcleo de estudio multidisciplinario, que asesore con toda la información necesaria.
¿Y cómo se debe plantear la enseñanza de la profesión a los jóvenes?
Hay que aceptar que pueden existir muchas ideas distintas. Pero eso es algo que tienen pocas escuelas, deberían fomentar a sus profesores. También haría que la carrera fuera más corta, de tres años y luego uno o dos años más de trabajo, durante los cuales se aprenda el oficio. Debería hacerse cargo de un edificio y aprender mediante la práctica. Que el resto se entregue por postgrado. Una buena escuela debe hacer que las obras se centren en las emociones de quien las crea.

Madrid, durmiendo con el Arquitecto

2010-09-29T17:38:00.000-04:00

DATOS:

Avenida América Hotel, Madrid, España

Terminado en 2005

Alrededor de 240 habitaciones

Piso y Arquitecto

1. Zaha Hadid
2. Norman Foster
3. David Chipperfield
4. Eva Castro & Holger Kehne
5. Vittorio y Lucchino
6. Marc Newson
7. Ron Arad
8. Kathryn Findlay
9. Richard Gluckman
10. Arata Isozaki
11. Javier Mariscal
12. Jean Nouvel: fachadas, bar, fitness y ebtro estético;Habitaciones piso 12
13.EspaciosPúblicos: John Pawson

La Invitación a este grupo de arquitectos para hacerse cargo de pisos y fachadas, más los espacios públicos y objetos para el Hotel América, presupone una visita detallada, ya que su descripción no es tarea fácil. Quienes pasen por la capital españolam tienen una tarea pendiente, hasta que no consigan un tour. que en general cuesta 60 Euros o un reportaje...

Desde 360€ por una habitación de Lujo, 660€ Junior Suite, 1500€ Suite Ejecutiva, 2250€ Senior Suite t 3125€ por la Presidencial Suite (Piso 12, diseñada por Nouvel).

Zaha Hadid en Viena

2010-09-29T17:05:00.000-04:00

NOMBRE      : Spittelauer Stadtbahnbögen(1999-2005)
DIRECCION : Spittelauer Lände, 9. Bezirk, Vienna
TAMAÑO      : 4.000 metros cuadrados
ARQUITECTA:
Zaha Hadid,   ver   ww.zaha-hadid.com

Profecías Urbanas

2010-09-29T16:56:00.002-04:00

HASTA 1974, en el mundo el crecimiento de la población rural era superior al urbano.

CIUDADES DE LABORATORIO

Dongtan será una de las seis ciudades ecológicas que China agregará a su mapa, que ya tiene 670. Será una alternativa a la atestada Shanghai . Para 2020, el 60% de la población vivirá en las urbes. Anualmente unos 12 millones de campesinos emigran a ellas.

La nueva ciudad estará lista en 2010 para albergar a 10 mil personas. Un doble sistema de cañerías llevará agua potable y sacará agua de alcantarillado, ya tratada, para regar las granjas verticales. Sólo el 10% de la basura llegará al vertedero; el resto será reciclada. Se abastecerá con energías renovables incluyendo biocombustible sobre la base de cáscara de arroz. Para 2020, su población será de 80 mil habitantes y proveerá 50 mil empleos.

GRANJAS EN ALTURA

Invernaderos ultraeficientes en el corazón de la ciudad evitarían la escasez de alimentos en las megaciudades. La Universidad de Arizona desarrolló un prototipo de invernadero (US$ 450 mil). Se puede cultivar la misma cantidad de vegetales que en una granja tradicional, pero sólo utilizando el 10% de agua, y el 5% de terreno. Treinta de estos invernaderos, instalados en una manzana de terreno, podrían alimentar a 50 mil personas; con verduras, frutas, huevos y carne.

MÁS IMPUESTOS, MENOS TACOS

Desde 2003, hay que pagar un impuesto para manejar por el centro de Londres. Desde entonces, el tráfico ha disminuido en 15% y los automovilistas pierden 30% menos de tiempo en embotellamientos.

Philip Bythe, de la Universidad de Newcastle, dice que "no es una panacea". "Cobrar implica detallados modelos de la ciudad, de los viajes y transporte público". No todas las ciudades están listas. En Beijing, asumen que deben construir mejores caminos y mejorar el transporte público.

El siguiente paso en Londres será castigar más aún a los autos más contaminantes. Así privilegiarán el uso de autos "amistosos con el medio ambiente".

LA UTÓPICA "SÚPER-CIUDAD"

Hoy los cables que llevan electricidad a las ciudades pierden un 7% de su poder a causa de la resistencia. La superconductividad llevaría esa pérdida a cero y casi no emitiría CO{-2} en el proceso. Debe ser enfriada con hidrógeno líquido.

Un solo supercable llevaría la energía y el hidrógeno. "Bombas de electricidad" abastecerán a los automóviles y el hidrógeno llegará directo a las casas, para usarlo en la cocina y en la calefacción.

Aún es utópico porque la ciencia para hacer esto sólo existe en el papel. El desarrollo podría demorar varias décadas. Sus detractores alegan por la necesidad de utilizar centrales nucleares para producir el hidrógeno.

ECOLOGÍA URBANA 2.0

Las ciudades son entes vivos, que laten y cambian, y que afectan al resto del planeta. De eso trata la nueva ecología urbana.

Un ejemplo de ello: la temperatura en las ciudades es más alta, entre 1 y 6° C, que en las zonas rurales. Eso dispara la demanda de energía y aumenta la contaminación ambiental. Con un solo grado más, el consumo de agua mensual promedio de una familia puede aumentar en 1.300 litros. Además, las ciudades son fuentes de dióxido de carbono y otros gases invernaderos, como los aerosoles urbanos.

Las ciudades crean nuevas comunidades biológicas, artificiales, donde algunas especies son desplazadas por el hombre, y la biodiversidad disminuye.

La ecuación para disminuir el impacto ecológico de las urbes debe integrar estos factores.

AHOGADOS Y SIN REMORDIMIENTOS

La India invertirá un millón de dólares en Kolkata (Calcuta) para subsidiar a los taxistas; quieren que conviertan sus autos a gas. Ellos alegan que no pueden costear el cambio. Kolkata tiene 14 millones de habitantes y el promedio de su material particulado es el doble del máximo aceptado. Los controles no existen y las revisiones técnicas no revisan nada. A fines de año, el económico auto Tata, de US$ 2.500, llegará a su mercado. Aunque contaminará menos, las autoridades esperan que 10 millones de autos se sumen al parque automotor en los próximos años. Los ambientalistas exigen el aumento de los impuestos a los autos diésel; los contrarios argumentan que eso deja los autos sólo a los ricos.

Design for Reuse Primer

2010-09-28T18:55:00.001-04:00

[Design for Reuse Primer | by Public Architecture]

Libro más periódico en PDF, que vale la pena bajarlo. Está a su disposición.

In Arabian Desert, a Sustainable City Rises

2010-09-27T10:49:00.000-04:00

By NICOLAI OUROUSSOFF

ABU DHABI, United Arab Emirates — Back in 2007, when the government here announced its plan for “the world’s first zero-carbon city” on the outskirts of Abu Dhabi, many Westerners dismissed it as a gimmick — a faddish follow-up to neighboring Dubai’s half-mile-high tower in the desert and archipelago of man-made islands in the shape of palm trees.

Designed by Foster & Partners, a firm known for feats of technological wizardry, the city, called Masdar, would be a perfect square, nearly a mile on each side, raised on a 23-foot-high base to capture desert breezes. Beneath its labyrinth of pedestrian streets, a fleet of driverless electric cars would navigate silently through dimly lit tunnels. The project conjured both a walled medieval fortress and an upgraded version of the Magic Kingdom’s Tomorrowland.

Well, those early assessments turned out to be wrong. By this past week, as people began moving into the first section of the project to be completed — a 3 ½-acre zone surrounding a sustainability-oriented research institute — it was clear that Masdar is something more daring and more noxious.

Norman Foster, the firm’s principal partner, has blended high-tech design and ancient construction practices into an intriguing model for a sustainable community, in a country whose oil money allows it to build almost anything, even as pressure grows to prepare for the day the wells run dry. And he has worked in an alluring social vision, in which local tradition and the drive toward modernization are no longer in conflict — a vision that, at first glance, seems to brim with hope.

But his design also reflects the gated-community mentality that has been spreading like a cancer around the globe for decades. Its utopian purity, and its isolation from the life of the real city next door, are grounded in the belief — accepted by most people today, it seems — that the only way to create a truly harmonious community, green or otherwise, is to cut it off from the world at large.

Mr. Foster is the right man for this kind of job. A lifelong tech buff who collaborated with Buckminster Fuller, he talks about architecture in terms of high performance, as if his buildings were sports cars. And to some extent his single-minded focus on the craft of architecture — its technological and material aspects — has been a convenient way of avoiding trickier discussions about its social impact. (It’s hard to imagine Mr. Foster embroiled in the kind of public battles over modern architecture that his former partner, Richard Rogers, has fought with the traditionalist Prince Charles in London.)

Not that Mr. Foster doesn’t have ideals. At Masdar, one aim was to create an alternative to the ugliness and inefficiency of the sort of development — suburban villas slathered in superficial Islamic-style décor, gargantuan air-conditioned malls — that has been eating away the fabric of Middle Eastern cities for decades.

He began with a meticulous study of old Arab settlements, including the ancient citadel of Aleppo in Syria and the mud-brick apartment towers of Shibam in Yemen, which date from the 16th century. “The point,” he said in an interview in New York, “was to go back and understand the fundamentals,” how these communities had been made livable in a region where the air can feel as hot as 150 degrees.

Among the findings his office made was that settlements were often built on high ground, not only for defensive reasons but also to take advantage of the stronger winds. Some also used tall, hollow “wind towers” to funnel air down to street level. And the narrowness of the streets — which were almost always at an angle to the sun’s east-west trajectory, to maximize shade — accelerated airflow through the city.

With the help of environmental consultants, Mr. Foster’s team estimated that by combining such approaches, they could make Masdar feel as much as 70 degrees cooler. In so doing, they could more than halve the amount of electricity needed to run the city. Of the power that is used, 90 percent is expected to be solar, and the rest generated by incinerating waste (which produces far less carbon than piling it up in dumps). The city itself will be treated as a kind of continuing experiment, with researchers and engineers regularly analyzing its performance, fine-tuning as they go along.

But Mr. Foster’s most radical move was the way he dealt with one of the most vexing urban design challenges of the past century: what to do with the car. Not only did he close Masdar entirely to combustion-engine vehicles, he buried their replacement — his network of electric cars — underneath the city. Then, to further reinforce the purity of his vision, he located almost all of the heavy-duty service functions — a 54-acre photovoltaic field and incineration and water treatment plants — outside the city.

The result, Mr. Foster acknowledged, feels a bit like Disneyland. “Disneyland is attractive because all the service is below ground,” he said. “We do the same here — it is literally a walled city. Traditional cars are stopped at the edges.”

Driving from downtown Abu Dhabi, 20 miles away, you follow a narrow road past an oil refinery and through desolate patches of desert before reaching the blank concrete wall of Masdar and find the city looming overhead. (Mr. Foster plans to camouflage the periphery behind fountains and flora.) From there a road tunnels through the base to a garage just underneath the city’s edge.

Stepping out of this space into one of the “Personal Rapid Transit” stations brings to mind the sets designed by Harry Lange for “2001: A Space Odyssey.” You are in a large, dark hall facing a row of white, pod-shaped cars lined up in rectangular glass bays. (The cars’ design was based on Buckminster Fuller’s proposal for a compact urban vehicle, the D-45, which helps explain their softly contoured, timelessly futuristic silhouettes.) Daylight spills down a rough concrete wall behind them, hinting at the life above.

The first 13 cars of a proposed fleet of hundreds were being tested the day I visited, but as soon as the system is up, within a few weeks, a user will be able to step into a car and choose a destination on an LCD screen. The car will then silently pull into traffic, seeming to drive itself. (There are no cables or rails.)

It’s only as people arrive at their destination that they will become aware of the degree to which everything has been engineered for high-function, low-consumption performance. The station’s elevators have been tucked discreetly out of sight to encourage use of a concrete staircase that corkscrews to the surface. And on reaching the streets — which were pretty breezy the day I visited — the only way to get around is on foot. (This is not only a matter of sustainability; Mr. Foster’s on-site partner, Austin Relton, told me that obesity has become a significant health issue in this part of the Arab world, largely because almost everyone drives to avoid the heat.)

The buildings that have gone up so far come in two contrasting styles. Laboratories devoted to developing new forms of sustainable energy and affiliated with the Massachusetts Institute of Technology are housed in big concrete structures that are clad in pillowlike panels of ethylene-tetrafluoroethylene, a super-strong translucent plastic that has become fashionable in contemporary architecture circles for its sleek look and durability. Inside, big open floor slabs are designed for maximum flexibility.

The residential buildings, which for now will mostly house professors, students and their families, use a more traditional architectural vocabulary. To conform to Middle Eastern standards of privacy, Mr. Foster came up with an undulating facade of concrete latticework based on the mashrabiya screens common in the region. The latticework blocks direct sunlight and screens interiors from view, while the curves make for angled views to the outside, so that apartment dwellers never look directly into the windows of facing buildings. Such concerns are also reflected in the layout of the neighborhood. Like many Middle Eastern university campuses, it is segregated by sex, with women and families living at one end and single men at the other. Each end has a small public plaza, which acts as its social heart.

Still, one wonders, despite the technical brilliance and the sensitivity to local norms, how a project like Masdar can ever attain the richness and texture of a real city. Eventually, a light-rail system will connect it to Abu Dhabi, and street life will undoubtedly get livelier as the daytime population grows to a projected 90,000. (Although construction on a second, larger phase has already begun, the government-run developer, the Abu Dhabi Future Energy Company, refuses to give a completion date for the city, saying only that it will grow at its own pace.)

But the decision of who gets to live and work in Masdar, as in any large-scale development, will be outside the architect’s control. That will be decided by the landlord, in this case, the government.

And even if it were to become a perfect little urban melting pot, Masdar would have only limited relevance to the world most people live in. Mr. Foster’s inspired synthesis of ancient and new technologies could well have applications elsewhere; it should be looked at closely by other architects. But no one would argue that a city of a few million or more can be organized with such precision, and his fantasy world is only possible as a meticulously planned community, built from the ground up and of modest size.

What Masdar really represents, in fact, is the crystallization of another global phenomenon: the growing division of the world into refined, high-end enclaves and vast formless ghettos where issues like sustainability have little immediate relevance.

That’s obviously not how Mr. Foster sees it. He said the city was intended to house a cross-section of society, from students to service workers. “It is not about social exclusion,” he added.

And yet Masdar seems like the fulfillment of that idea. Ever since the notion that thoughtful planning could improve the lot of humankind died out, sometime in the 1970s, both the megarich and the educated middle classes have increasingly found solace by walling themselves off inside a variety of mini-utopias.

This has involved not only the proliferation of suburban gated communities, but also the transformation of city centers in places like Paris and New York into playgrounds for tourists and the rich. Masdar is the culmination of this trend: a self-sufficient society, lifted on a pedestal and outside the reach of most of the world’s citizens.

Vida en Containers

2010-09-26T10:20:00.001-04:00

A raíz de un Post dedicado a las soluciones post-terremoto, basada en uno anterior del año 2008, dimos varios ejemplos de vida en containers. El Sábado 25 de septiembre sale publicado este artículo en el diaro La Tercera , realizado por Alejansra Carmona.

Dos cajitas de fósforos puestas sobre lamesa. Una es el comedor; la otra, el living. Una cajita más: la cocina. Otra: el baño. Todo de nuevo. Una y otra vez. Dos ojos encima tratando de hacerlas calzar. Una de pie, una acostada, otra de pie de nuevo. Un miniensamblaje inspirado en nada.

"¡Para mí fue como un juego, mi propio lego!", dice Rodrigo Pino, un publicista de 46 años que debió soportar las preguntas y miradas inquisidoras de sus vecinos de Lo Curro cuando una mañana apareció con un grupo de containers marítimos en sus dos mil metros de terreno eriazo. "Imagínate; un día la gente no ve nada en este lugar y al día siguiente ve estos containers. Claro que me preguntaron, pensaron que les iban a venir a instalar bodegas al lado de sus casas".

Lo que la gente no sabía, era que la llegada de los bloques de metal era el punto final de un largo proceso. Mucho antes, las cajas de fósforos y el ensamblaje habían servido de maqueta para que Rodrigo proyectara su sueño: una casa armada con 12 containers.

Al lado de su casa hay 12 containers, en la misma posición original que los suyos. Son de un amigo con el que compró el terreno a medias y que quiere construir la misma casa que él, calcada. Rodrigo siempre tuvo relación con los containers porque su familia paterna está ligada a una naviera, pero cuando vio las oficinas de su amigo Max Blanchard levantadas con este formato en Pedro de Valdivia Norte, empezó a averiguar en internet. Se dio cuenta que había un mundo hecho de acero corten, el material de la mayoría de los containers.

"En internet vi barrios, escuelas, hospitales, hoteles hechos de containers en Europa y quise construir mi casa de esa forma", explica Rodrigo, sentado a la mesa del comedor, mientras juega con su cajetilla de cigarros y mira por una de las cinco ventanas enormes ubicadas al oriente y que parecen tragarse la cordillera. "Cada una de estas ventanas era el fondo de un container", dice, pero no se nota. Sólo el contraste con la casa vecina aún en cimientos permite imaginar que la casa de Rodrigo podría haber sido trasladada vía océano. "Cuando alguien llega a mi casa no se imagina que está parado sobre el techo de un container".

¿Por qué hacer una casa en un galpón frío, con medidas estandarizadas, sin ningún lujo aparente? El arquitecto Sebastián Irarrázaval contesta: "Una de las ventajas es la reducción de tiempo; el propio container es como la obra gruesa. Tampoco tienes que tener un lugar definido para la construcción, porque lo puedes fabricar en un lugar y luego trasladarlo".

Bajo estas premisas, Irarrázaval creó en 2009 la Casa Container, en Chicureo. El proyecto consiste en una vivienda prefabricada de 93 m2 y una mezcla precisa: cinco containers. Existen sólo dos medidas estándar en metros en el mercado: 12 x 2,44 y 6 x 2,44. (ambos con 2,60 de alto). Irarrázaval ocupó dos de los primeros, tres de los segundos y demoró tres meses en la construcción total. El destino de los containers fue establecido desde el inicio por el dueño, el empresario estadounidense Jonathan Lever (41) ¿La petición? Una casa para huéspedes aledaña a la casona familiar. "Estaba buscando una forma de crear un nuevo espacio que no requiriera mucho trabajo en terreno", cuenta Lever. "Todo el proyecto, exceptuando los cimientos, se completó más o menos fuera del sitio y la estructura completa llegó en un día cargada en un par de camiones".

Entre las ventajas mencionadas por arquitectos y dueños se asoma una razón ecológica. La mayoría coincide en que es una buena manera de darle una muerte digna a un container. "Lo positivo es que ya no están ociosos, generando mugre visual. Usarlos para algo ya es bueno. De Santiago hacia el sur, por la Panamericana, hay una zona de bodega de containers que no se ocupan; eso es triste", dice Javier del Río, arquitecto experto en sustentabilidad de la Universidad Nacional Andrés Bello.

Julio Oyarzún, ingeniero socio de Arqtainer -empresa que se dedica a hacer proyectos arquitectónicos con containers- está seguro de que este proceso de construcción que parte del reciclaje, puede generar una mayor demanda en el futuro. La primera construcción habitable de esta empresa es Casa Liray en Colina, un proyecto que además destaca por el precio. Es una casa de 115 m2 encargada por Marcela Flores (34), una chilena que trabaja en una empresa de relojes y que vio este formato en Estados Unidos.

Pensé en mis hijas de 3 y 6 años, no sólo cuando elegí esta construcción que guarda bien el calor en invierno y es temperada en verano, también en el proceso de diseño. La niña de 6 vio un día un container en la calle y me dijo '¡Mira, esa es mi casa!'. Están felices con la idea. Ellas eligieron el color naranjo de la fachada y como es una construcción con bloques, ya saben que cuando sean más grandes, sus piezas se pueden agrandar con otro container", cuenta Marcela.

Casa Liray tiene aislación con celulosa proyectada, o sea, papel reciclado, tres dormitorios, cuatro baños, terraza panorámica. Para que se haga una idea: "Con estas características, costó 36 millones; una casa similar en albañilería partiría de los 50 millones; y esta incluye piso flotante y termopaneles", advierte Oyarzún.

Los precios, en promedio, son 20% más baratos que los de una construcción tradicional. Un container sólo cuesta entre $ 800.000 y $ 1.200.000, pero son las oficinas de arquitectos las que le suman atributos para hacerlo habitable. "Un container es el esqueleto de una construcción. Necesitas el cuerpo entero y para eso tienes que generar dobles muros, dobles terminaciones, etcétera", dice Irarrázaval.

De pie sobre el piso de roble de su casa, de espalda al porcelanato negro con el que cubrió el de la cocina y frente al altillo que creó con rieles dados de baja, Rodrigo Pino abre sus enormes ojos claros como si estuviera frente a su Mona Lisa, una obra maestra que se descuelga en pendiente por el cerro disfrazada de casa mediterránea. "Ha venido tanta gente a preguntar, de Chile y de afuera. Ahora mis vecinos me dicen, 'pucha que te quedó linda la casa'. Nada mejor que un container cumpla su vida marítima y termine así.

Proyecto de Teleférico para Las Condes y Huechuraba

2010-09-26T10:14:00.000-04:00

Por: Consuelo Argandoña ( Diario La Tercera )

No están pensados con fines turísticos. Los andariveles y carros de un teleférico esta vez se proyectan como una alternativa de transporte público para el complejo escenario vial que se vislumbra para el sector oriente de Santiago.
Así se presenta el proyecto del teleférico Bicentenario, de la consultora especializada en concesiones Nueva Vía, que pretende unir las comunas de Las Condes, Vitacura y Huechuraba. Esto, mediante la unión de puntos estratégicos de "Sanhattan" como las torres del Parque Titanium y Costanera Center, pasando por el Parque Bicentenario hasta llegar a Ciudad Empresarial en sólo 15 minutos.
El proyecto fue presentado la semana pasada al Ministerio de Obras Públicas, como iniciativa privada, y contempla cinco estaciones desde Tobalaba. Son más de cuatro kilómetros de extensión que serán unidos en forma aérea con cableado eléctrico y vagones con capacidad para 10 personas cada uno. Todo ello inspirado en el modelo de ciudades como Medellín, en Colombia.

"No hay ningún impedimento de ingeniería ni interferencia con ninguna obra. El trazado es súper limpio y poco invasivo, porque iría por arriba del canal San Carlos en el tramo entre Tobalaba y Costanera Center, y luego se pasa al otro lado y se va por el borde del río Mapocho", indicó Martín Santa María, representante de la empresa.
Según el ejecutivo, una de las principales características es que permitirá atravesar zonas donde el tránsito peatonal se complica, como las grandes avenidas (Vitacura, Kennedy, Andrés Bello o la misma rotonda Pérez Zujovic). El proyecto está enfocado en absorber la demanda de oficinas y estacionamientos que arroje el sector.
El teleférico tendrá una capacidad para transportar a 30 mil pasajeros diarios (tres mil por hora) y deberá ser evaluado por el MOP para que sea declarado de interés público, y así poder ser licitado.

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La Quinta Fachada

2010-09-26T00:29:00.000-04:00

ANATXU ZABALBEASCOA - Barcelona - 26/09/2010

¿Cómo hablarle a la vez a la ciudad y al ciudadano? ¿Cómo cuidar el todo y las partes en la fachada de un edificio? Son muchos los inmuebles con vocación icónica que sacrifican sus posibilidades de uso en favor de una imagen homogénea, sin aristas.

¿Cómo hablarle a la vez a la ciudad y al ciudadano? ¿Cómo cuidar el todo y las partes en la fachada de un edificio? Son muchos los inmuebles con vocación icónica que sacrifican sus posibilidades de uso en favor de una imagen homogénea, sin aristas. El precio de esa decisión, que permite una lectura más limpia de la ciudad y logra fachadas más contundentes, es que todas las plantas de un mismo edificio reciben un tratamiento similar (tengan delante un parque o una autopista, ocupen la altura del primero o del último piso). El resultado de un uso generalizado de las pieles de vidrio o las fachadas homogéneas ha derivado, entre otras cosas, en la paulatina desaparición de las terrazas, una pérdida muy poco sostenible.

La nueva sede de la comisión del Mercado de Telecomunicaciones (el primer edificio de la "descentralización administrativa" que anunció José Montilla cuando era ministro de Industria) se inaugurará en Barcelona en octubre. En línea con su tiempo, sus arquitectos, Enric Batlle y Joan Roig, han levantado, efectivamente, una fachada homogénea, sin fracturas. Sin embargo, los proyectistas han logrado rasgar esa fachada única con terrazas que reivindican una sostenibilidad realista de ventilaciones naturales y contacto físico (no solo visual) con el exterior, sin romper la unidad del edificio. ¿Dónde está el truco? Son las lamas horizontales de aluminio de tono cobrizo las que envuelven y pautan las cuatro fachadas del edificio, que, a su vez, se desdibujan con su perfil amorfo y escurridizo. Las líneas paralelas de las lamas actúan como una persiana de librillo: protegen del sol pero dejan entrar las vistas, ligan el volumen con la nave histórica del distrito barcelonés 22@, que el inmueble amplía, y permiten cerrar las terrazas superiores y las zonas de instalaciones al convertirse en marquesina de entrada en la planta baja.

Como casi todos los nuevos edificios de este antiguo barrio fabril barcelonés, el Poble Nou, reconvertido hoy en emblema de la sostenibilidad, el nuevo inmueble tiene calificación energética A. Pero además, en este edificio de caras facetadas y volumen singular, las fachadas se rasgan sin romperse para que los usuarios puedan no solo evitar enfermedades hoy habituales debido a la falta de ventilación natural, sino también disfrutar: acercarse a la ciudad sin perturbar su orden urbano ni plástico. "Más allá de ofrecer un espacio para los fumadores a los arquitectos muchas veces se nos escapa lo fácil que es conseguir el bienestar de los trabajadores si estos pueden abrir una puerta y ver un árbol y un pedazo de cielo o dejar entrar la brisa", explica Enric Batlle. Él y su socio Joan Roig llevan más de dos décadas diseñando parques y espacios públicos. Conocen la importancia del aire libre, las sombras, el contacto con la vegetación y los espacios que encuentran su definición en el uso que les dan los ciudadanos.

Rem Koolhaas frente a las Ciudades

2010-09-25T23:49:00.000-04:00

Por qué evita pronunciar la palabra patrimonio? –Desde hace años, siento la necesidad de abordar el tema de la preservación, en especial en estos últimos siete años, cuando se nos pidió estudiar la extensión del Museo del Hermitage de San Petersburgo. Siempre me resultó difícil participar en la Bienal de Venecia. Este año, mucho antes de saber que obtendría el León de Oro, me dije que era el momento de poner las cosas en claro. Es una reflexión, e incluso una verdadera angustia personal, aunque los socios de la agencia participen en este trabajo.

–¿Cuáles son las propuestas que usted trajo a Venecia? –Diría que hemos llegado a la siguiente conclusión: por un lado, hay una verdadera obsesión en torno a la idea de preservación. Esto nos remonta a los primeros tiempos después de la Revolución Francesa, luego, todo fue codificado, reglamentado. Pero, a partir de la preservación de los monumentos históricos, de la arquitectura gloriosa, el campo de la preservación no ha dejado de ampliarse… –¿Se refiere a la lista del Patrimonio mundial de la Unesco? –No sólo a eso, aunque si es verdad que en la actualidad incluye tanto palacios, ciudades, como el campo de concentración de Auschwitz, paisajes naturales, etc., no puedo menos que estar de acuerdo con esas elecciones. Ellos son perfectamente conscientes de los problemas que yo denuncio, y hay que ayudarlos a encontrar soluciones. En la Unesco los criterios de selección son elásticos y ambiguos. Asimismo, no se reflexiona sobre la manera en la que se busca detener el paso del tiempo, cómo lo que se preserva puede permanecer vivo a la vez que evoluciona. Salvo por razones de imposibilidad financiera, hay que dejar de embalsamar las ciudades, monumentos o partes enteras del mundo. Hace falta creatividad, dar libertad a la imaginación.

–Su segunda afirmación se focaliza en la arquitectura llamada moderna… –Sí, en la voluntad empecinada, en todo el mundo, de hacer desaparecer todas las huellas de la arquitectura de las décadas posteriores a la Segunda Guerra. El número de edificios que desaparecen es realmente increíble, como si se tratara de erradicar el pensamiento social que le pertenece. No se trata sólo de estética arquitectónica o urbana. Las consecuencias de ese hecho son fundamentalmente políticas, aunque sólo sea en la medida en que esas destrucciones conducen a borrar testimonios de la historia.

– A la vez, como usted lo ha dicho, no se puede preservar todo… –Seguramente. Pero habría que cambiar la mirada de la gente en un sentido de apertura. Uno de los lugares más bellos que he visto en Pekín es una zona de viviendas para los trabajadores. Debe datar de los años ‘50, y las construcciones de ladrillo que la componen están terriblemente deterioradas. Se sostienen con sus esqueletos metálicos clavados en la tierra, pues no hay piso ni cimientos sólidos. Es bello, trágico y frágil a la vez –y los ocupantes siguen ocupándolas de manera conmovedora. Sin embargo, es imposible que esos edificios “comunes” perduren, pues habría que mantener allí una población y un modo de vida de mucha pobreza. Tuve una sensación similar ante la destrucción del Muro de Berlín. Extrañamente, tenía la misma fragilidad ante aquellos que venían a demolerlo en 1989. ¿No habría sido posible tomarse su tiempo, evitar borrar demasiado rápido esa huella? –Una de las razones de su exposición en Venecia, ¿no era la de borrar o explicar de una vez por todas la expresión “Fuck context”, cuya ambigüedad lo marcó a usted como el bravucón del patrimonio y del contexto urbano? –No puedo excluirlo, pero es evidente que, más allá de las interpretaciones, hoy esa es una polémica superada. Es esencial que los arquitectos vuelvan a darle importancia al campo de la teoría. Y más aún la crítica. La ambigüedad que usted señala no sólo se ha sostenido por el mundo de los arquitectos, sino también por el de la crítica. A ella le corresponde reparar y avanzar. Por mi parte, no se trata de cinismo, aunque eso integre mis formas de expresión. No sólo me considero un arquitecto, también soy escritor, así comencé. Cuando escribo, me permito tomarme todas las libertades. La escritura puede adoptar todo tipo de tonalidades. Puedo ser serio, inocente, romántico, obsesivo, irónico… –Todo eso es cuestión de estilo… –Sé que para la profesión de arquitecto es muy difícil comprender esa libertad. Si reorganicé la agencia rodeándome de gente muy cercana a mi vida, fue también para permitirme encontrar cierta libertad, y paradójicamente quizás, para actuar solo.

Revistas On Line

2010-09-25T23:43:00.000-04:00

http://www.archfarm.org/es/
http://www.architek-tour.com/frames_magazin.htm
http://www.bifurcaciones.cl/ (chilena)
http://dma.cl/ (chilena)
http://www.geometriadigital.com/
http://www.maderadisegno.com.ar/
http://www.cientodiez.cl/ (chilena)
http://www.faad.cl/category/revista-180 (chilena)
Revista ARQ (archivo Scielo. Chilena).
http://www.revistaca.cl/ (chilena)
http://revistaurbanismo.uchile.cl/ (chilena)
http://www.metapoli.net/ (chilena)
http://www.via-arquitectura.net/
http://www.ultimasreportagens.com/mag/mag.html
http://arkitekturaz.com/akz/home/home.htm
http://www.uchilefau.cl/publicaciones/portaplanos/index.html (chilena)
http://de.construmatica.com/
Concrete Quarterly
http://www.z8m.es/

Guía de CHILOÉ

2010-09-25T23:32:00.002-04:00

Guía de Arquitectura de Chiloé. Archipiélago de Chiloé
Guía fruto del Acuerdo de Colaboración suscrito entre la Asociación de Municipalidades de Chiloé y la Consejería de Obras Públicas que presenta no sólo los grandes valores arquitectónicos sino también los paisajísticos y culturales para que los viajeros descubran este Archipiélago azul y verde; una tierra entre mareas.

DESCARGA:

http://www.sendspace.com/file/vbg0ec

Guías de Ciudades en la WEB

2010-09-25T23:30:00.001-04:00

Acceso a las guías disponibles en formato web

Trinidad y el Valle de los Ingenios. Cuba

Quito. Ecuador

Rosario. Argentina

Almería. España

Málaga. España

Santo Domingo. República Dominicana

Michoacán, México

http://www.juntadeandalucia.es/

El Arte del Diseño de Puentes

2010-09-25T23:15:00.002-04:00

link de descarga:
http://www.sendspace.com/file/11f36z

Zona Cero por Vignoly

2010-09-25T22:55:00.000-04:00

El arquitecto uruguayo Rafael Viñoly, que tras acabar las obras del aeropuerto internacional de Montevideo ve en Latinoamérica un gran potencial arquitectónico, criticó al plan de reconstrucción de la "zona cero" de Nueva York porque "hacer simbolismo de un proyecto comercial es prácticamente imposible".

"Si el proyecto de la ´zona cero´ se hubiera basado en algo que no fueran oficinas, ya estaría construido, pero hacer simbolismo de un proyecto comercial es prácticamente imposible", afirmó en una entrevista con Efe Viñoly, cuyo proyecto de rehabilitación del World Trade Center (WTC) fue uno de los finalistas del concurso que se convocó en 2003.

En opinión de este arquitecto afincado en Nueva York, la demora de estas obras es consecuencia de "la gran ineficacia y el mal uso de esta tragedia" por parte de la Administración de George W. Bush y el anterior gobernador del estado de Nueva York George Pataki.

"El problema del WTC no proviene de lo que el plan inicial quería obtener, que es un resultado arquitectónico, sino de que en realidad todo el proyecto está basado en un desarrollo comercial en el que la persona a quien se le adjudicó el proyecto no tenía ni voz ni voto", agregó.

El proyecto inicial del WTC contemplaba la construcción de cinco edificios de oficinas, una terminal de transporte diseñada por el arquitecto español Santiago Calatrava, y espacio para locales comerciales, además de un monumento y un museo dedicado a las casi tres mil personas que murieron en los atentados terroristas de 2001.

Sin embargo, la falta de consenso sobre la financiación de los nuevos edificios entre la Autoridad Portuaria del estado y el promotor Larry Silverstein, ambos propietarios del terreno, han provocado grandes demoras en las obras, al tiempo que se han realizado varias alteraciones en el diseño de Calatrava debido al elevado coste de su proyecto.

Según Viñoly, el plan de ejecución para el nuevo WTC "no se puede desarrollar arquitectónicamente" mientras que los intereses comerciales de los edificios de oficinas que se prevén construir prevalezcan sobre la función simbólica que los familiares de las víctimas del 11-S desean que tenga el complejo de edificios.

La crisis del sector inmobiliario y la falta de interés de los propietarios del solar por ejecutar un proyecto de este tipo son, para este arquitecto, las principales causas que han provocado una demora de varios años en el proceso de construcción.

Cuando no se encuentra de viaje, el arquitecto uruguayo supervisa desde la sede de Rafael Viñoly Arquitects PC en Nueva York los numerosos proyectos que desarrolla en ciudades de Europa, Asia y América, donde el pasado 5 de octubre se inauguró en Uruguay una moderna terminal del aeropuerto internacional de Carrasco que diseñó este arquitecto.

"Uruguay está cambiando rápidamente y goza de un desarrollo económico estable que podría ofrecer un punto de referencia importante en el desarrollo latinoamericano", señaló a Efe Viñoly, quien considera a América Latina una de las regiones con mayor potencial arquitectónico del mundo.

Su Uruguay natal y Chile son, en su opinión, países que cuentan con destacados trabajos emergentes en el ámbito de la arquitectura y con una situación económica más interesante para llevarlos a cabo.

Sin embargo, en el "ránking" del arquitecto, Brasil merece una mención especial porque allí se encuentran algunos de los ejemplos arquitectónicos "más excepcionales que hasta hace pocos años se infravaloraban".

"En Latinoamérica está todo por hacer, y la oportunidad de experimentación y proyección de la arquitectura como un componente de la cultura que condicione el cambio me parece mucho más importante que en países con una tradición histórica y arquitectónica muy formada", indicó Viñoly.

Responsable de construcciones como el Foro Internacional de Tokio o la ambiciosa Battersea Power Station de Londres, donde transformará una antigua central térmica en apartamentos, oficinas y un museo de la energía, Viñoly se centra ahora en la construcción de laboratorios e infraestructuras sanitarias, "porque parecen haber recibido un impacto un tanto menor de la crisis económica".

Buenos Aires ayer y hoy: De la gran aldea a la ciudad de masas

2010-09-25T22:46:00.000-04:00

Tres arquitectas expertas en patrimonio publicaron un libro que muestra la transformación porteña. Los cambios en el diseño urbano son un correlato de los cambios culturales.

Por: Julieta Roffo

DE 1937 A HOY. El obelisco antes y después de la 9 de Julio.

Carteles luminosos que invitan al teatro, edificios de alturas vertiginosas, semáforos por doquier, locales de comida rápida. Todo eso detecta el ojo si recorre el paisaje que rodea al Obelisco. Ya es costumbre pero no estaba allí hace unos 70 u 80 años, cuando tampoco estaban el Puente de la Mujer ni los rascacielos que convierten a Puerto Madero en el escenario de un cómic futurista.
Esos cambios en la fisonomía de la ciudad, que sólo pueden apreciarse al contrastar una época ya pasada con la actual, están retratados en el libro Buenos Aires Ayer y Hoy (My Special Book), una investigación que las arquitectas Laura Weber, Carla Levin Rabey y Susan Mesquida –especializadas en patrimonio– realizaron para la Fundación Urbe y Cultura.

Haciendo foco en la zona del Centro, Retiro, Palermo, Belgrano, La Boca, San Telmo y el puerto, el libro recopila fotos de archivo –algunas inéditas– de los años 30 y 40, y las compara con tomas actuales obtenidas desde el mismo lugar y con la misma perspectiva. Así es posible apreciar con precisión los cambios que trajo aparejado el tiempo tanto en la arquitectura como en la cultura: es que los proyectos urbanísticos de una época dan cuenta de fenómenos culturales tan complejos como la visión de futuro de que tiene una sociedad en el momento en que los encara.

Levin explica uno de los grandes motivos para el cambio en el aspecto de la ciudad: "Si bien en las primeras décadas del siglo XX Buenos Aires ya se adaptaba a la gran circulación de autos y era un lugar con gran densidad de población, a fines de los 50 se incorpora la torre, y durante los 60 y 70 eso modifica el paisaje", dice, y las fotos le dan la razón.

"El libro quiere obtener el retrato de una Buenos Aires cambiante que hace un correlato de l os cambios en las costumbres y en la cultura de los porteños ", sostiene Weber. Puerto Madero es un ejemplo de esas modificaciones: una zona que era puramente productiva en momentos del auge del modelo agroexportador, en la actualidad es una zona esparcimiento, donde los porteños van a gozar del aire libre, así como de servicios y vivienda.

La construcción del Obelisco, cuenta Weber, también representó un gran cambio en la forma de ver la ciudad: "Fue el puntapié inicial para construir toda la avenida 9 de Julio; se derrumbaron manzanas enteras para unir el norte y el sur de Buenos Aires, pensando en una circulación masiva", explica.

Una de las muestras más cabales de las nuevas costumbres en las formas de habitar se da en la zona de la Biblioteca Nacional: "Justo donde está la construcción diseñada por Clorindo Testa, que ahora se retomó para finalizar el proyecto original, estaba la residencia presidencial, allí murió Evita; se trataba de un barrio de grandes mansiones, pero cuando las familias aristocráticas perdieron su nivel adquisitivo y se densificó la población, aparecieron grandes viviendas colectivas y en ese proceso se le dio lugar a la Biblioteca, proyectada décadas antes; ya era otra Buenos Aires", cuenta Weber.

Buenos Aires Ayer y Hoy no aspira a una visión nostálgica, sino que "invita a reflexionar sobre los cambios y continuidades que, desde lo arquitectónico, retratan a quienes viven en la ciudad", cuentan sus autoras.
Carteles luminosos que invitan al teatro, edificios de alturas vertiginosas, semáforos por doquier, locales de comida rápida. Todo eso detecta el ojo si recorre el paisaje que rodea al Obelisco. Ya es costumbre pero no estaba allí hace unos 70 u 80 años, cuando tampoco estaban el Puente de la Mujer ni los rascacielos que convierten a Puerto Madero en el escenario de un cómic futurista.
Esos cambios en la fisonomía de la ciudad, que sólo pueden apreciarse al contrastar una época ya pasada con la actual, están retratados en el libro Buenos Aires Ayer y Hoy (My Special Book), una investigación que las arquitectas Laura Weber, Carla Levin Rabey y Susan Mesquida –especializadas en patrimonio– realizaron para la Fundación Urbe y Cultura.

Haciendo foco en la zona del Centro, Retiro, Palermo, Belgrano, La Boca, San Telmo y el puerto, el libro recopila fotos de archivo –algunas inéditas– de los años 30 y 40, y las compara con tomas actuales obtenidas desde el mismo lugar y con la misma perspectiva. Así es posible apreciar con precisión los cambios que trajo aparejado el tiempo tanto en la arquitectura como en la cultura: es que los proyectos urbanísticos de una época dan cuenta de fenómenos culturales tan complejos como la visión de futuro de que tiene una sociedad en el momento en que los encara (ver "Ahora...").

Levin explica uno de los grandes motivos para el cambio en el aspecto de la ciudad: "Si bien en las primeras décadas del siglo XX Buenos Aires ya se adaptaba a la gran circulación de autos y era un lugar con gran densidad de población, a fines de los 50 se incorpora la torre, y durante los 60 y 70 eso modifica el paisaje", dice, y las fotos le dan la razón.

"El libro quiere obtener el retrato de una Buenos Aires cambiante que hace un correlato de l os cambios en las costumbres y en la cultura de los porteños ", sostiene Weber. Puerto Madero es un ejemplo de esas modificaciones: una zona que era puramente productiva en momentos del auge del modelo agroexportador, en la actualidad es una zona esparcimiento, donde los porteños van a gozar del aire libre, así como de servicios y vivienda.

La construcción del Obelisco, cuenta Weber, también representó un gran cambio en la forma de ver la ciudad: "Fue el puntapié inicial para construir toda la avenida 9 de Julio; se derrumbaron manzanas enteras para unir el norte y el sur de Buenos Aires, pensando en una circulación masiva", explica.

Una de las muestras más cabales de las nuevas costumbres en las formas de habitar se da en la zona de la Biblioteca Nacional: "Justo donde está la construcción diseñada por Clorindo Testa, que ahora se retomó para finalizar el proyecto original, estaba la residencia presidencial, allí murió Evita; se trataba de un barrio de grandes mansiones, pero cuando las familias aristocráticas perdieron su nivel adquisitivo y se densificó la población, aparecieron grandes viviendas colectivas y en ese proceso se le dio lugar a la Biblioteca, proyectada décadas antes; ya era otra Buenos Aires", cuenta Weber.

Buenos Aires Ayer y Hoy no aspira a una visión nostálgica, sino que "invita a reflexionar sobre los cambios y continuidades que, desde lo arquitectónico, retratan a quienes viven en la ciudad", cuentan sus autoras.

Carteles luminosos que invitan al teatro, edificios de alturas vertiginosas, semáforos por doquier, locales de comida rápida. Todo eso detecta el ojo si recorre el paisaje que rodea al Obelisco. Ya es costumbre pero no estaba allí hace unos 70 u 80 años, cuando tampoco estaban el Puente de la Mujer ni los rascacielos que convierten a Puerto Madero en el escenario de un cómic futurista.
Esos cambios en la fisonomía de la ciudad, que sólo pueden apreciarse al contrastar una época ya pasada con la actual, están retratados en el libro Buenos Aires Ayer y Hoy (My Special Book), una investigación que las arquitectas Laura Weber, Carla Levin Rabey y Susan Mesquida –especializadas en patrimonio– realizaron para la Fundación Urbe y Cultura.

Haciendo foco en la zona del Centro, Retiro, Palermo, Belgrano, La Boca, San Telmo y el puerto, el libro recopila fotos de archivo –algunas inéditas– de los años 30 y 40, y las compara con tomas actuales obtenidas desde el mismo lugar y con la misma perspectiva. Así es posible apreciar con precisión los cambios que trajo aparejado el tiempo tanto en la arquitectura como en la cultura: es que los proyectos urbanísticos de una época dan cuenta de fenómenos culturales tan complejos como la visión de futuro de que tiene una sociedad en el momento en que los encara (ver "Ahora...").

Levin explica uno de los grandes motivos para el cambio en el aspecto de la ciudad: "Si bien en las primeras décadas del siglo XX Buenos Aires ya se adaptaba a la gran circulación de autos y era un lugar con gran densidad de población, a fines de los 50 se incorpora la torre, y durante los 60 y 70 eso modifica el paisaje", dice, y las fotos le dan la razón.

"El libro quiere obtener el retrato de una Buenos Aires cambiante que hace un correlato de l os cambios en las costumbres y en la cultura de los porteños ", sostiene Weber. Puerto Madero es un ejemplo de esas modificaciones: una zona que era puramente productiva en momentos del auge del modelo agroexportador, en la actualidad es una zona esparcimiento, donde los porteños van a gozar del aire libre, así como de servicios y vivienda.

La construcción del Obelisco, cuenta Weber, también representó un gran cambio en la forma de ver la ciudad: "Fue el puntapié inicial para construir toda la avenida 9 de Julio; se derrumbaron manzanas enteras para unir el norte y el sur de Buenos Aires, pensando en una circulación masiva", explica.

Una de las muestras más cabales de las nuevas costumbres en las formas de habitar se da en la zona de la Biblioteca Nacional: "Justo donde está la construcción diseñada por Clorindo Testa, que ahora se retomó para finalizar el proyecto original, estaba la residencia presidencial, allí murió Evita; se trataba de un barrio de grandes mansiones, pero cuando las familias aristocráticas perdieron su nivel adquisitivo y se densificó la población, aparecieron grandes viviendas colectivas y en ese proceso se le dio lugar a la Biblioteca, proyectada décadas antes; ya era otra Buenos Aires", cuenta Weber.

Buenos Aires Ayer y Hoy no aspira a una visión nostálgica, sino que "invita a reflexionar sobre los cambios y continuidades que, desde lo arquitectónico, retratan a quienes viven en la ciudad", cuentan sus autoras.

Radiografía a las residencias del sector oriente

2010-09-25T12:14:00.003-04:00

Barrios se renuevan con reciclaje de casas y juntas de vecinos influyentes

Se trata del efecto "rebote", cuyo fenómeno busca proteger el espacio sin edificaciones como colegios y centros comerciales.

JAIME PINOCHET

La fuerte pelea que dieron los vecinos de Martín de Zamora en Las Condes para evitar la construcción de un centro comercial frente a sus casas no fue casualidad. Esa arremetida da cuenta de una nueva organización de barrio que está emergiendo para realizar una férrea defensa de su entorno.

Así lo asegura Iván Poduje, arquitecto y especialista en urbanismo, quien comenta que los barrios centrales de la zona oriente se están empapando de tendencias del extranjero, cuya característica principal es mantener la vida residencial.

"Están emergiendo los barrios monofuncionales, donde sus residentes rechazan todo tipo de construcciones a grandes escalas como colegios, supermercados y malls ", detalla.

Este nuevo perfil socioeconómico fue denominado "rebote", pues su aspiración es retornar a la zona central de la comuna para vivir en casas antiguas.

"Esto es una renovación de barrios, pero no con edificios, sino con reciclaje de casas. Este fenómeno ha provocado una alta demanda en residencias usadas en Vitacura, Las Condes y La Dehesa centro", explica Poduje.

Estos residentes son profesionales, de 30 a 40 años, casados y con un ingreso alto, quienes no se interesan con encerrarse en sus residencias. Su objetivo es apoderarse de los espacios urbanos como plazas, ciclovías, cafés y del transporte público.

El almacén de barrio es otro lugar que se busca recuperar, pero bajo un concepto moderno. Se trata de los stripcenter , cuya infraestructura alberga equipamiento de servicios y entretención sin invadir el barrio con un centro comercial.

Peluquerías, farmacias, restaurantes y firmas de ropa exclusivas son algunas de las tiendas que se pueden encontrar en estos lugares.

En el último tiempo las juntas de vecinos de las zona oriente dejaron de ser recepcionistas de los problemas de sus residentes. Bajo una administración tipo gerencial y una difusión comunicacional mediante páginas web han logrado mantener intactos sus barrios, alejando a las empresas inmobiliarias y a la delincuencia.

"Esta fórmula les ha entregado buenos resultados. La tendencia de las unidades vecinales es mantener una organización fuerte para mantener intactos sus barrios sin delincuencia y construcciones a grandes escalas", finaliza Iván Poduje.
Vecinos de P. de Valdivia Norte piden cambiar plano regulador

Mantener los barrios residenciales intactos es una pelea que no siempre se gana. Un ejemplo de ello es lo que ocurrió con el tradicional barrio El Golf en Las Condes, donde el sistema financiero derrumbó la vida residencial con edificios para oficinas y departamentos.

Esta misma situación están viviendo los vecinos de Pedro de Valdivia Norte, donde la zona oriente -entre avenida El Cerro y el Puente Lo Saldes- se ha visto muy afectada por las grandes obras urbanas que están emergiendo en esa zona de Providencia.

"Solicitamos que se modifique el plano regulador de la comuna para que en ese sector se puedan construir edificios en altura, pues ese barrio murió por la construcción del túnel San Cristóbal, Sanhattan y el proyecto de Santa Rosa de Las Condes", asegura a "El Mercurio" José Ignacio Martínez, presidente de la unidad vecinal.

El dirigente agrega que intentaron dar la pelea para mantener intacto su hogar de toda la vida, pero no pudieron contra las grandes obras que privilegian a miles de personas. "Esperamos que con esta decisión podamos proteger el centro de nuestro barrio", finaliza.

Para Archivo: La Capilla Sixtina Restaurada

2010-09-24T18:15:00.003-04:00

clipped from www.wga.hu

Without having seen the Sistine Chapel one can form no appreciable idea of what one man is capable of achieving.
(Johann Wolfgang Goethe in 1787 in Rome)

clipped from www.wga.hu

9 scenes of the Genesis

4 corner pendentives

4 pairs of bronze nudes above the pendentives

8 triangular spandrels with pairs of bronze nudes

7 prophets

5 sybils

20 ignudi

10 medallions

Vista Aéreas

2010-09-24T17:57:00.003-04:00

clipped from justpaste.it

Ganado, Argentina

MIna de Carbón en Sud Africa

Sha Kibbutz, Israel

Cementerio Milirae en Verdun, France

Suburbios de Copenhagen, Dinamarca

Elefantes en la savannah, Botswana

Favelas en Rio de Janeiro

Ruinas de Ciudad Medieval, Shali, Egipto

Suiza

Gullholmen, Suiza

Denver, EE.UU.

Dunas en Isla Fraser, Australia

Pena, Portugal

Amazonas , Brazil

Suburbios de Cape Town, Sud Africa

Machu Picchu, Peru

Dubrovnik, Croatia

Beijing, China

Cattle near the Masai Mara National Park, Kenya

Tasmania, Australia

Boat Houses in Lagos, Nigeria

Bazaar of Istanbul, Turkey

Neuschwanstein Castle, Germany

Hashima Island, Japan

Stockholm, Sweden

Boats stranded on the dry Aral Sea, Kazakhstan

Palm Jumeirah in Dubai, United Arab Emirates

Pigeon Houses Mit Gahmr Delta, Egypt

Varanasi, India

Solar plant in Andalusia, Spain

Easter Island, Chile

Epicenter of the Atomic Bomb on Hiroshima, Japan

Mountains near Jengish, Kyrgyzstan

Louver and Ile de la Cité in Paris, France

Olas en Dinamarca

2010-09-24T14:47:00.000-04:00

clipped from abduzeedo.com

The small town of Vejle in Denmark received in 2009 a building that will be a beautiful architectural symbol. The Wave in Vejle is a residential complex, designed by Henning Larsen Architects.

The unique shapes make this building into a sculptural work. The wave form is inspired by the characteristics of the area where it was inserted: the sea, the bridge and the hills. Due to some characteristics of the area the building was not complete with four "waves", but the proximity to the sea and the reflection of the building in the water bring even more beauty to the shape of this set of 140 apartments and don't loose nothing of the awesomeness even if incomplete.

During the day the white waves are reflected in the sea and at night the characteristic profile will look like illuminated multi-coloured mountains. The building has 140 attractive apartments many with two-story house plans, all with a wonderful view.

Pobreza en las Ciudades

2010-09-24T14:43:00.001-04:00

clipped from www.heritage.org

Fortysix percent of all poor households actually own their own homes. The average home owned by persons classified as poor by the Census Bureau is a threebedroom house with oneandahalf baths, a garage, and a porch or patio.

Seventysix percent of poor households have air conditioning. By contrast, 30 years ago, only 36 percent of the entire U.S. population enjoyed air conditioning.

Only 6 percent of poor households are overcrowded. More than twothirds have more than two rooms per person.

The average poor American has more living space than the average individual living in Paris, London, Vienna, Athens, and other cities throughout Europe.

Nearly threequarters of poor households own a car; 30 percent own two or more cars.

Ninetyseven percent of poor households have a color television; over half own two or more color televisions.

62 percent have cable or satellite TV reception.

Seventythree percent own microwave ovens, more than half have a stereo, and a third have an automatic dishwasher.

Noticias de Jean Nouvel

2010-09-24T14:15:00.002-04:00

clipped from www.kmpfurniture.com

Jean Nouvel - Art to Architecure

Jean Nouvel's architecture speaks a beautiful, harmonious language. His work has won awards for its stunning symmetry of light, shadows, and iridescence; including the Wolf Prize in Arts in 2005 and the Pritzker Prize in 2008. Nouvel is best known for creating beautiful structures that leverage the surrounding space.

Born on August 12, 1945, in Fumel, France, Jean Nouvel's love of learning is often credited to his parents who taught high school in a small town in southwestern France.

It was not Nouvel's intention to design structures. His first love was art of a different kind; he had aspirations of becoming a painter.
His parents asked him to try something a little more “sensible,” like math or science.

Perspectivas sobre la Ciudad

2010-09-24T14:11:00.000-04:00

clipped from is-arquitectura.es

Jacque Fresco: La ciudad ideal

templar las condiciones de cada área geogr

“Yo veo a las ciudades del futuro no como un problema de arquitectura, sino como un problema social y económico. Si queremos diseñar ciudades que funcionen, éstas deben conáfica. La ciudad tiene que estar diseñada y basada en materiales que sean de fácil acceso en ese área.”

“Creo que la mayoría de las viejas ciudades tienen que derribarse, y extraer de ellas todos los recursos posibles. Y es mucho más fácil rediseñar una ciudad como un sistema operativo, como un todo, que intentar rehabilitar las viejas ciudades y actualizarlas: esto no sería viable económicamente.”

Videos Recientes en UNAM

2010-09-24T14:06:00.002-04:00

clipped from mediacampus.cuaed.unam.mx

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